EL MAL AJENO

Una de las ventajas que hay en el hecho de ver películas en funciones privadas, es que muchas veces pasa que las películas que veo sufren una postergación en la fecha de su estreno por lo cual, se puede postergar el comentario ya sea hablado o escrito, da lo mismo. Digamos que hay más tiempo para elaborar una reflexión. Una vez cada tanto, algo que se vio no se estrena nunca.

Le voy a ser totalmente sincero. Yo pensé que esta película no se iba a estrenar, pero los que se dedican hace años a esto, mucho antes que yo, evidentemente ven en los productos alguna veta comercial que uno como espectador no percibe. Escapa a mi capacidad de análisis.

Ahora, la parte que me gusta, o sea comentarle cada tanto lo que voy a ver al cine y qué sensaciones me dejó, eso sí que está mas cerca de “lo mío”.

El Mal Ajeno ¿Nadie piensa en nosotros che?

Las historias que se desarrollan en hospitales ya están demasiado teñidas de TV como para animarse a escribir un guión de cine que involucre a estos edificios. En serio le digo. Un guionista convencido de que este es el mejor lugar para desarrollar una historia no se encuentra ni con lupa. Y eso que no menciono ciudades o pueblos o playas en donde estén emplazados. No. El edificio en sí ya alcanza para que mi predisposición no sea la misma y tenga ganas de descargarme de otra manera. Así que ensayémoslo juntos.

A ver, cuando cuente tres y todos a la vez eh?

A la una… a las dos… y a las… Tres!!!

Todos: -¿¡¿¡Ootra película de médicos en un hospital!?!?-

Aaah! Fue liberador. Gracias.

Ahora, mas relajado puedo reflexionar. Veamos. Si fuera guionista ¿Qué podría movilizarme un montón para que se me ocurra una película situada en un hospital y cuyo conflicto se centra en uno o más médicos?

¿Enfermedades terminales? No.

¿Corrupción? Tampoco.

¿Intereses económicos? No. Tenemos siempre al mismo culpable.

¿Un policial o Una de suspenso? Tampoco. Cuando empiezan la persecuciones nunca hay luz y casi nunca hay gente excepto los dos que se persiguen.

¿Un drama sobre la realidad del hospital o la gente que trabaja en él o la que se hace atender? Mmm…

Ahorremos tiempo: Con ER Emergencias y Dr. House por un lado y Nueve Lunas y Mujeres de Nadie por el otro tenemos dos décadas cubiertas con todo tipo de guiones. Los que reflexionan y los melodramáticos; los bien actuados y los que no, etc, etc.

¿Entonces?...

La respuesta la tienen Daniel Sánchez Arévalo, guionista de El Mal Ajeno y Alejandro Amenábar, el productor, que no sólo no se le rió en la cara a Sánchez Arévalo cuando éste le leyó el guión, además le dijo que sí. Que la iban a producir. Y que el factor sorpresa iba a ser incluir un don sobrenatural al mejor estilo de milagros de Biblia. 

Este don tan especial (el don de curar con las manos) se lo dan a un médico al que le importa un bledo la vida de los demás. Ni siquiera la de los espectadores. Claro, si se lo daban a alguien al que sí le importaba, desaparecía lo único en este guión que se parece a un conflicto. Y hasta acá llego con contarle de qué se trata. Llámeme egoista pero prefiero olvidarla lo antes posible. 

Cada uno de los diálogos tiene el vuelo de cualquier frase de Piel Naranja (la cita a una tira de Migré no es aleatoria) y por momentos rayan lo ridículo aunque parezca que los actores se lo están tomando lo mas en serio posible. Para agregarle dramatismo, melodramatismo y más drama aún, los diálogos y las situaciones están enfatizados por una banda de sonido cuyos violinistas tocaron las dos mismas notas hasta para que los personajes vayan al baño y por una dirección de fotografía filtrada en azul para que hasta el living de la casa del médico se sienta como una farmacia.  

¿A qué voy con esto? No quiero decir que ya no se pueden hacer películas cuyos conflictos se desarrollen en hospitales porque sería una necedad, Sí se pueden hacer. Sólo me permito observar que El Mal Ajeno es uno de los casos que aporta para:

¡¡A la una… A las dos… Y a las…!!!!

EL MAL AJENO

España, 2009

Dirección: Oskar Santos

Guión: Daniel Sanchez Arévalo

Montaje: Carlos Agulló

Fotografía: José Inchaustegui

Música: Fernando Velásquez

Reparto: Ricardo Noriega, Belen Rueda, Angie Cepeda, Cristina Plazas, Clara Lago y elenco.  

UN CUENTO CHINO y EL ABISMO...TODAVÍA ESTAMOS

Gran química de Darín-Huey en una buena comedia

Habitualmente veo todas las películas antes de que se estrenen, pero además suelo seleccionar una o dos por semana que vuelvo a ver pero ya estrenadas para poder tener la oportunidad de sentir la atmósfera que genera una sala llena. Por eso es difícil a veces, llegar a ver todas a tiempo, pero desde chico tengo esta extraña sensación de que me falta algo si no lo hago. Por una razón u otra, llegué a ver Un Cuento Chino y El Abismo un par de días después de su estreno y esto me permitió disfrutar las proyecciones con público. Realmente la perspectiva cambia porque el único compromiso que tuve y tengo como espectador es con la pantalla pero no es lo mismo la percepción con una sala llena. Así que me fui a un shopping y al Gaumont a ver ambas el mismo día. Como en los viejos tiempos de maratón de cine.

No quiero preguntárselo al director, porque me gusta mantener la fantasía de que Sebastián Borensztein, efectivamente estaba un día desayunando y leyó una noticia tan insólita que le sirvió como inspiración para conectarla con Argentina y con la idea de plasmar un choque de idiosincrasias.

Roberto es un hombre que ya está resignado a su destino. Tiene planificada su vida de una forma tan meticulosa que hasta el reloj sirve como excusa para auto-imponerse la disciplina de estar vivo. Desayunar, abrir la ferretería, controlar la cantidad de tornillos que le entregan los proveedores, cerrar, cenar y dormir. Es todo lo que hay y todo lo que quiere. Imagine alterar semejante rutina intentando ayudar a un chino al que conoce casi por casualidad y que cae en Argentina sin saber una palabra de español y que necesita ayuda.

Pero el director no se conforma con esta rutina. Y lentamente va explorando junto a nosotros hasta meterse en la mas cruda intimidad de Roberto, bien interpretado por Ricardo Darín. Un cuento Chino tiene una mirada tan clara sobre nuestras formas y costumbres que la pantalla por momentos pareciera proyectar un espejo y la historia va cobrando un volumen de valores que excedieron todas mis expectativas. Es mas, no hay un solo gag que no nos refleje como sociedad, realmente valió la pena.

Mas tarde bajé del subte en Callao y me fui al Gaumont.

Uno de los símbolos de la dictadura en El Abismo...

El Abismo…Todavía Estamos, sin proponérselo tiene un punto de conexión con Un Cuento Chino, sobre todo en lo histórico pero no es algo que voy a revelar aquí. El comienzo y el final de la película propone desde lo estrictamente documental, entrar en la versión ficcionada de una de las tantas historias trágicas que vivieron los desaparecidos de la última dictadura militar poniendo el acento en el robo de bebés y la eterna búsqueda de la identidad.

Este es el valor absoluto de la película y es una de esas que por su simpleza narrativa debería servir como plataforma educativa para que los chicos revisen nuestra historia reciente y puedan decidir profundizarla. Cinematográficamente, esa simpleza cae en algunos desaciertos que dejan otro tipo de sabores en los que prefiero no profundizar porque no quiero que se diluya lo que pude rescatar, que es la necesidad de que se vea, se haga y se diga más sobre este tema.

Dicho todo esto, vuelvo sobre un punto que apenas dejé entrever antes. Fue una coincidencia seguramente, pero las consecuencias del proceso de reorganización nacional han calado tan profundo en nuestra sociedad y nuestros artistas, que aunque se quiera, nunca se va a poder evitar que esté ahí presente. Implícita o Explícitamente. En nuestra forma de hablar, de mirar, de evitar decir… La última dictadura nos cambió para siempre a todos y a las próximas generaciones. Lo que somos hoy está ahí, en la sutileza de Un Cuento Chino y en la crudeza de El Abismo…Todavía Estamos. Sea como sea, yo prefiero que nuestro arte me de todos los espejos que tenga. Aunque no me guste lo que refleje, pero así a lo mejor tengo la posibilidad de cambiarlo. Seguro que eso es mejor que hacerle caso a un mundo que me dice que es mejor mirar a la pared.

UN CUENTO CHINO

ARGENTINA, 2011

Dirección: Sebastián Borensztein

Guión: Sebastián Borensztein

Montaje: Pablo Barbieri Carrera y Fernando Pardo

Fotografía: Rolo Pulpeiro

Música: Darío Eskenazi

Reparto: Ricardo Darín, Muriel Santa Ana, Ignacio Huang, Pablo Seijo y elenco

EL ABISMO… TODAVIA ESTAMOS

ARGENTINA, 2011

Dirección: Pablo Yotich

Guión: Pablo Yotich

Montaje: Jesica Latorre

Fotografía: Sandra Grossi

Música: Victor Heredia

Reparto: Agustina Posse, Mabel Pessen. Nicolas Condito, Juan Palomino, Alejandro Fiore, Raul Rizzo y elenco

SUCKER PUNCH: MUNDO SURREAL (Sucker Punch)

Propuesta y estética. Una de las dos se diluye

Esteeemmm… Yo… 

No sé como… 

A ver… 

Sucker: Tonto

Punch: Golpe

Sucker Punch (combinadas) es una expresión que podría traducirse como Golpe Sorpresivo, pero el contexto es un poco mas que eso. Se supone que este golpe en particular califica como tonto al que lo recibe por no haber estado prestando atención.

Sabran disculpar si en este momento tengo dudas pero me declaro escéptico en un caso en el que no me queda claro si el sucker punch se lo da uno de los persanjes a otro o el director a mi. Quizás en ambos casos aplica.    

Recién salí de ver Sucker Punch: Mundo Surreal, película que mi instinto la coloca en el lugar de fracaso comercial en cines, para luego convertirse en algo de semi-culto entre los adoradores de fábulas con estética de historieta y que canales como I-sat rescatará dentro de algún tiempo en el marco de ciclos tipo: “música, faso y fantasía”.

¿Por qué fracaso comercial? Porque todo está anunciado como cine pochoclo y se sabe que para este tipo de películas, las metáforas, sinécdoques y demás recursos literarios convertidos a imágenes muchas veces van en desmedro de entregar todo masticado para ganar dinero. Para eso lo llamamos cine pochoclo. Sé que estoy generalizando pero me sirve para establecer un punto sobre este último trabajo de Zack Snyder, el director de 300.

¿Por qué de semi-culto y no de culto a secas? Porque al principio le sobra para serlo y después, a la hora de resolver, le falta.

La situación de un personaje que crea en su mente un universo para salir de una situación que le es adversa no es nueva, sobre todo después de la Alicia de Greg Carroll. Sin embargo hay formas y formas de abordar esta propuesta y el ir a fondo con ella determinará que tan en serio se la puede tomar.

Hay una interesantísima introducción en OFF al principio del film, metafísica incluso, que planta un gran interrogante para entrar en este mundo que se propone desde el cine como lenguaje para llevarnos al teatro y dejarnos ahí: Al borde del escenario para ver cómo una nena que va a ser internada en un manicomio tomará las riendas de su mente para conducirnos a la realidad alternativa que ella crea en función de intentar salir del lugar hacia la libertad. Aunque esta sea incierta. Ahí está la clave porque Babydoll (Emliy Browning),  intentando proteger a su hermana de una segura violación seguida de muerte e impedir que un hombre (su padrastro) despiadado se quede con la herencia de ellas, la mata accidentalmente. El hombre, ni lerdo ni perezoso, la interna alegando locura. Son los primeros 5 minutos.

A partir de ahí, la historia propone una puesta en escena confusa, porque nunca el director se pone de acuerdo en si lo que vemos es el mundo que ella imagina o que él se imagina. Estéticamente no lo discuto, lo que discuto es la excusa con la que se justifica lo que se muestra, porque no hay diferencia entre realidad y ficción, sin embargo todo se plantea desde ese lugar y quizás por eso tampoco funciona el viejo McGuffin de Hitchock, ese elemento de distracción que parece el quid de la cuestión pero no lo es. En este caso es una danza que nunca se ve.

Las actuaciones… bueh… digamos que funcionan. Para esta película funcionan. Y como reflexión inmediata, en mi caso debo decir que ese primer enunciado que me atrapó desde el principio se diluye en veinte minutos y la película cae en redundancias por no haber decidido profundizar la propuesta, pero igual me quedo con algunos elementos para coleccionar. Incluyendo la soberbia banda de sonido de Tyler Bates y Marius De Vries.

SUCKER PUNCH: MUNDO SURREAL

Sucker Punch (USA, 2011)

Dirección: Zack Snyder

Guión: Zack Snyder y Steve Sibusha

Montaje: William Hoy

Fotografía: Larry Fong

Música: Tyler Bates y Marius De Vries

Reparto: Emily Browning, Abbie Cornish, Jena Malone, Vanesa Hudgens, Jaime Cheng, Scott Glenn y elenco.     

AMOR SIN LIMITES (Ondine)

Amor Sin Límites. Fórmula para arruinar una fábula.

Hacía un tiempo que había oído hablar de esta película de 2009 y me preguntaba por qué no se estrenaba en Argentina. Una vez terminada y prendidas las luces de la sala acabé por preguntarme todo lo contrario.

Mi investigación posterior me llevó a buscar en google la palabra “Selkie”, presente en todo el film. Efectivamente la mitología escocesa y nórdica en general dice que una selkie es una suerte de ninfa del mar que tiene el poder de convertirse en humana sacándose la piel y que baraja un par de opciones una vez que esto sucede. Una es que el hombre ante el cual se aparece, se enamore y esconda su piel para evitar que ella se vaya para siempre. Otra es que ella misma vuelva a ponérsela y desaparecer de su vida tan repentinamente como llegó. Sinceramente, una linda fábula para el género romántico.

Lástima que Neil Jordan haya elegido la forma perfecta para destruirla, insertándola en un guión digno del monumento al mamarracho.

Syracuse (Colin Farrell) anda en la mala. Es un pescador escocés en la peor zona de Escocia. Digo es pescador Escocés porque alguien lo disfrazó con un enterito, un suéter, campera, botas de goma, una gorra y de vez en cuando toma alguna pinta de Guiness, por lo demás parece que a Colin mucho no le gusta estar en el set de filmación, como si no viera la hora de regresar a la mansión de California.

En fin, una mañana levanta la red en su barquito y oh sorpresa doble. Saca algunos peces que no obstante haber salido hace segundos del agua, ninguno se mueve. Evidentemente en Escocia nadan ya muertos para no dar trabajo a nadie si caen en alguna red.

Otra que tampoco se mueve es una hermosa mujer que también quedó atrapada y que vaya a saber cuanto tiempo anduvo nadando con sus ex - compañeros. El mira, observa. Pone cara de “¿Habré jugado al Quini esta semana o no?” y la ayuda a  revivir. Muy muerta no estaba tampoco porque los labios los tiene mas rosa que La Pantera o sea que el mito de las frías aguas del norte se terminó y la neblina no era otra cosa que el vapor de esas aguas termales.

Total que la chica en cuestión, que se llama Ondine, le cuenta un poco de la leyenda de las selkies y Syracuse termina creyéndole e invitándola a su casa. Es linda chica y no da para que ande en tarlipes para todos lados. Algo hay que hacer. Syracuse se va al pueblo a ver a su hija a la noche y como no tiene ni Caperucita Roja ni El Principito, no tiene mejor idea que contarle la leyenda que escuchó a boca de pez. La nena parece inválida pero no es. O sea, está en silla de ruedas pero después la vemos caminando por ahí ¿me comprende?. Sigo. 

Le gustó tanto la historia, que se va a la casa del padre a comprobar si el cuento es verdad y para trabar una rápida amistad con Ondine al punto de convencerlo al padre que la leyenda es verdad. Para demostrarlo, Ondine se sube al barco para acompañar a Syracuse y se pone a cantar una canción que produce el milagro total: el pescador saca tal cantidad de peces que uno diría que había una convención de cardúmenes. Es eso u Ondine tiene la frecuencia mental de Aquamán para atraerlos a todos.

Se miran. Me parece que se van a enamorar; pero antes, el pescador va y le compra pilchas a Ondine. Algo tiene que haber a cambio de tanta pesca no? No vaya a ser que use la guita de venta de peces para pasar gastos de alimentación a la ex-mujer o algo así. No es poético.  

Ahora es el turno de Neil Jordan que para mezclar un poco mas el guión con la leyenda, saca de la galera un ruso, malo, muy malo que quiere llevarse a Ondine. Y como es el único factor sorpresa de la película, hay que hacer creer que el también es un selkie o sea una foca macho que va a la costa a buscar a su hembra perdida. Y debe ser foca nomás el tipo; porque su dicción frente a la cámara no está muy lejos de los sonidos que el animal emite.

Ya tenemos dos focas deambulando por el pueblito de Escocia. Un aro con fuego y ponemos el circo completo.

Mientras tanto, Syracuse sigue creyéndose todo lo que la hija le dice. Es el candidato ideal para reanimar la venta de buzones. Lástima no tenerlo acá para sacarle aunque sea el precio de la entrada. Por otro lado, la pesca va bien así que lo que diga la nena es secundario aunque sea la única que se da cuenta del ruso que se pasea por todo el pueblo con cara de pocos amigos. 
¿Y cómo resuelve Neil Jordan todo esto? Tirando el libro de dónde sacó la leyenda y negando en UN diálogo todo lo que contó hasta ese momento total, las espectadoras van a verlo a Farrell en primer plano, qué guión ni ocho cuartos. 

Vea, hace poco leí un volumen de “La bendita Manía de Contar” De Gabriel García Márquez. Una trascripción literal de un taller de guión que el escritor hizo en Cuba. Justo el libro que debería haber leído el director y guionista de esta película. Por cierto, la banda de sonido es realmente buena.

AMOR SIN LIMITES

Ondine (IRLANDA/USA, 2009)

Dirección: Neil Jordan

Guión: Neil Jordan

Montaje: Tony Lawson

Fotografía: Christopher Doyle

Música: Kjartan Sveinsson (Excelente)

       

Reparto: Colin Farrell, Alicja Bachleda, Dervla Kirwan, Alison Barry, Marion O’Dwyer y elenco.   

MARTE NECESITA MADRES

Selección de madres para un planeta sin familia

Buenas, tome algo.

La verdad es que de todo lo que va en el año y sobre todo en muchos años de ver cine, es una de las pocas veces que debo decir que salí totalmente desconcertado porque entré totalmente desprevenido o mejor dicho, asumiendo que lo que iba a ver a partir del afiche de Marte Necesita Madres (que tiene una reminiscencia a aquella famosa escena de Encuentros Cercanos del Tercer Tipo), era una película familiera candidata a llenar de pochoclos el piso de la sala.  

Esta es la quinta producción de Robert Zemeckis después de Cuento de Navidad, El Expreso Polar, Beowulf (dirigidas por él) y Monster House que abordan la estética de motion capture, y para no dar nada por entendido, expliquemos esto con manzanas.

Imagínese un galpón gigante, en donde no hay nada excepto por un grupo de técnicos; muchas computadoras y actores vestidos con un traje tipo de buzo que a su vez tienen pegados un montón de sensores en todo el cuerpo. Ahí los actores corren, saltan, bailan, caminan y dicen sus líneas de acuerdo al guión para que sus movimientos sean captados por las computadoras. Luego de este proceso, varios animadores le agregarán a las imágenes de los actores, todo lo que es decorado que, previamente, ha sido dibujado por la dirección de arte.

A mí, particularmente, me parece una estética horrible que hace parecer que los personajes están hechos de mazapán, además de perder toda expresividad en sus gestos. Pero esto no quita que una historia pueda estar bien contada.

Hecha esta salvedad, debo decir que mi desconcierto justamente pasó por lo que dice el guión. No es que lo que va a leer a continuación se lee entre líneas viendo la película. Es absolutamente literal. Veamos.

La estructura de la vida en Marte está dividida en dos: Una parte ultramoderna, diseñada para la vida del futuro (que está arriba) y la parte de abajo o submnundo que es un basural de chatarra.

En Marte andan con tremendos líos para educar a los marcianitos que nacen… de la tierra misma.

Está bien. ¿Para qué andar con explicaciones a los chicos sobre la reproducción? Total son de otro planeta.

El punto es que Marte está regenteado por una supervisora que busca en la Tierra, madres con características tales como ser mandona, autoritaria, con fuerte personalidad y sobre todo que den pocas explicaciones. Una vez seleccionada, se la secuestra para llevarla al planeta rojo y educar a los chiquitos, pero no por ella. No. A ella le extraen su “memoria educacional” (vamos a llamarla así) para implantarla en máquinas que se regirán por esos parámetros previamente seleccionados porque atención: cuando nacen son separados en dos grupos; las hembras, que pasan a ser parte del ejército (aunque nunca haya indicios de que van a la guerra) y los machos son literalmente puestos en una jaula y enviados a la basura (¿?) para que ahí hagan lo que quieran con lo cual, la vida familiar no existe, los hombres son bestias y las mujeres forman pare del mundo inteligente y civilizado.

La madre que es abducida esta vez, es acompañada por su hijo que logra meterse en la nave y que intentará rescatarla. Se encuentra con un hombre, que llegó ahí en las mismas circunstancias y que por supuesto ya tiene algunas conclusiones que ha sacado de estos acontecimientos entre las cuales hay una para chuparse los dedos: a su mamá se la llevaron por haber sido él, un niño obediente (¿¡?!).  

Ninguno de los personajes traduce esto que ven, sino que lo asumen como es. El resto es anecdótico para que se pueda llegar al final de la película. 

Perdón que le cuente esto. Siempre trato de hablar lo menos posible sobre el argumento, pero este es un caso en el que tengo que decir que no es una simple aventura para chicos, hay también que preocuparse por cómo ellos van a decodificar este mensaje. En todo caso será un desafío para nosotros los padres. Siempre lo es; pero no por eso se justifica entrar desprevenido al cine.

Dicho esto le deseo la mejor de las suertes.

MARTE NECESITA MADRES

Mars Needs Moms (USA, 2011)

Dirección: Simon Wells

Guión: Simon y Wendy Wells

Montaje: Wayne Wahrman

Fotografía: Robert Presley

Música: John Powell

Reparto (en motion capture):  Seth Green, Dan Fogler, Joan Cusack, Elizabeth Harnois, Mindy Sterling y elenco.

LIBANO (Lebanon)

La fabulosa ultilización del espacio reducido

Hay veces que una sola imagen tiene un poder de comunicación tan contundente que no puedo sino pensar que el director de una película la puede haber planificado, diagramado, producido, diseñado… pero sobre todo, que ha sido tocado por una varita mágica que se llama, en los artistas, inspiración. Una visión que aparece en su mente y va tomando forma hasta que se ejecuta.

Líbano tiene eso. La primera escena es un cielo refulgente, inmaculado, un día hermoso sobre un inmenso campo de girasoles que sin embargo no están erguidos. Parecen agotados, rendidos, resignados a nacer, crecer y morir. Y ese minuto de quietud con la cámara fija, casi como testigo, es sutilmente interrumpido con una brisa. Un simple viento que mueve esos girasoles que no tienen otra que mecerse un rato. Soplan vientos de cambio para esa naturaleza y para la película.

El director elige luego, que toda esa inmensidad en la que se respira libre se terminó y nos mete a todos dentro de un tanque de guerra. Espacio que ni él, ni los cuatro soldados, ni nosotros vamos a abandonar hasta los 20 segundos finales. Y desde ahí, esos hombres, novatos, con personalidades diferentes tienen dos cosas en común: están en el día 1 de la guerra del Líbano… y tienen miedo.

Sabiamente, el director supo encontrar en los actores la dosis necesaria de trabajo para poner de manifiesto los conflictos internos mientras el tanque va avanzando hacia campo enemigo. Y digo sabiamente, porque la sensación de claustrofobia está apuntalada por el hecho de que en ningún momento podemos ver un cuerpo entero. Sólo partes que tratan de moverse como pueden en ese espacio reducido. Un soldado a cargo de los otros tres, uno que maneja, otro encargado de disparar y otro de recargar municiones. Mientras ellos discuten en su caja metálica la guerra sigue su curso y sólo la vemos con esa mira que constantemente apunta a todos lados, pivoteando hacia las imágenes de la consecuencia del conflicto bélico.

Pude vivir un rato dentro de un tanque y ampliar mis horizontes desde ese reducido universo que propone la película hasta llegar al punto en el que todo vuelve a cobrar vida. Brillante.

LIBANO

Lebanon (ISRAEL/LIBANO/FRANCIA/ALEMANIA, 2009)    

Dirección: Samuel Maoz

Guión: Samuel Maoz

Montaje: Arik Levitovitch

Fotografía: Giora Bejach

Música: Nicolas Beker y Benoit Delbecq

Reparto: Yoav Donat, Itay Tiran, Oshri Cohen, Michael Oshonov, Zohar Strauss y elenco

SOLO TRES DIAS (Three Days Later)

Sólo tres días. El sobrante de celuloide del año pasado

Conversación telefónica con el director Paul Haggis por su última película, Sólo Tres Días.

Hola Paul? Mucho gusto, me llamo Iván Steinhardt. Sí, con T al final.
Mire, lo molesto por lo siguiente, UD estuvo en la buena, señor director y guionista Paul Haggis. Ya ganó dos Oscars como guionista y estuvo nominado a uno como director, pero ademas escribió Cartas Desde Iwo Jima por ejemplo. Así que déjeme comunicarle que en mi humilde opinión ya puede UD hacer cualquier cosa y lo van a aplaudir. No digo de pie, pero seguro algún reconocimiento le van a dar.
Lo molesto por lo siguiente, mire: Yo tengo un programa de cine acá en Argentina y además escribo en una página. Cuestión que me ví su última película y me pareció tan mal hecha que a lo mejor yo no... Ah, la prensa de allá ya lo llamó por este temita... Bueno, yo quería saber si Ud sería tan amable de... ¿De verdad?!! Uy, gracias don Haggis. Bueno, bueno. Hago de cuenta que no la ví. Tomo nota:
 
Russell Crowe, protagónico. Cameos de Liam Neeson y Daniel Stern. Y Brian Denehy. Ok. ¿De qué trata? 

Un maestro de escuela, buen tipo, buen amante y esposo y padre ejemplar. Un santo bah, ¿Como se llama el personaje? John. Está bien, para qué se va a gastar en pensar eso? 

Después de cenar con amigos llegan a la casa, hacen el amor y a la mañana desayuna con su jermu y el nene. El sueño americano cumplido. O sea, nada de preocuparse por la crisis hipotecaria o el precio del petróleo, no. Todo hermoso. Ta bien, lo único que si la película va a ser asi todo el tiempo, no hay conflicto ¿me comprede Señor Haggis? Algo tiene que pas... Ah! ¿ya se le ocurrió?

Entra la policía y se lo lleva preso... ¿A él, no?...Se la llevan a ella. ¿Pero por qué?... Listo, quedamos así, después me lo explica. ¿Entonces?

La condenan a 20 años por asesinar a su jefa... ¿Y lo hizo?... ¿Cómo "no importa"?  Bueh, Ud sabrá. Yo no tengo ningún Oscar así que... Pero está bien. Hasta ahora me intriga. ¿Y?

Padre e hijo visitan a la mamá en la cárcel. Terrible escena dramática. El nene no habla.  
¿Y por qué el nene no le da bolilla a la madre? 
Lo cargan los pibes en el recreo con que la vieja es asesina y todo eso. 
Comprendo. Y sí, señor Haggis, los chicos son crueles. Entonces, ya sé... No me diga nada, tenemos un drama sobre el sistema carcelario norteamericano! ¿Ah, No?... Siga pues...

El abogado apela pero sale mal... Russell siente impotencia y se pone triste. ¿Llora? Y claro, es lógico. ¿Qué puede hacer un pobre maestro de escuela de clase alta, mas sano que el agua mineral, buen padre, buen amante, mejor esposo y que ni siquiera putea con esta situación? 

¿COMO QUE, PLANEAR LA FUGA DE SU MUJER?! ¿Es una comedia? Ah... ¿Va en serio?... O sea que un tipo que lo máximo que planea en su vida cotidiana es la clase del día siguiente o el pago de la tarjeta, planea... UNA FUGA. 
Pero no tiene sent... Si, si. Lo sigo. ¿A ver? 

Pero, ¿Cómo que se va a encontrar con un tipo que se fugó 3 veces? ¿De dónde lo sacó si nunca salió del barrio residencial? ¡¡¡NAH, NAH!!! No me joda, ¿Escuchó el nombre casi al pasar y lo googleó? O sea que en google encuentro el teléfono de un ex-convicto así como así... Mire que la gente no es tonta... ¿Y por qué le daría consejos para fugarse a plena luz del día en un bar con gente de testigo alrededor? ¿Cómo "qué importa"?, Sí importa!!  ¿Es Liam Neeson? Y qué le dice Liam Neeson al maestrito? 

¿Que va a necesitar qué?... ¡PLATA y SUERTE! Ok, la plata puede tener solución pero la suerte a quién se la compra? Ah. A UD que es el guionista... Le aclaro que a esta altura hay cosas raras eh?  Siga por favor. Aha. Empieza el plan... entre visita y vista va mirando todo y tomando notas mentales para planear.... Y se compra un mapa de la ciudad... 
Dios mío. Y se compra alfileres supongo... aha... Y una pistola. Mire Ud el maestrito ¿Pero la sabe usar?... No es importante 
Bien... ¿Qué es importante para Ud señor Haggis?... SI! YA SÉ QUE LA QUIERE MUCHO A LA MUJER, Y?!?!  

...Se compra mas cosas... Aha... Ve en You Tube un pibe que enseña a hacer llaves maestras y adquiere una prensa de Cerrajero 
¿Pero para qué?!!... Para abrir puertas en la cárc...Pero...Escuchesé, Señor Haggis! Lo que dice es ridículo!!
 
RATO DESPUES...

Señor Haggis, Ud me confirmó lo que yo ví: su película es espantosa, tiene diálogos con el vuelo de un capítulo de Power Rangers y encima es de presupuesto alto y horriblemente resuelta. La culpa es suya. 
AH NO!? Y de quién es entonces? ¿De los Franceses? Ah! Es una remake? ¿Y por qué de esta película habiendo tant...? Entiendo. Igual quédese tranquilo que la gente la va a ver igual. Yo soy un simple tipo que se pregunta cosas de más en el cine. Sobre todo cuando no tienen sentido. Si, si. Hasta luego. 

Y bueno, ¿Qué quieren que haga? Es mas fuerte que yo. 

SOLO TRES DIAS
The Next Three Days (USA/FRANCIA, 2010)

Dirección: Paul Haggis

Guión: Paul Haggis (Basada en "Pour Elle" escrita por Fred Cavallè y Guillaume Lemans)

Montaje: Jo Francis

Fotografía: Stephane Fontaine

Música: Danny Elfman

Reparto: Russell Crowe, Elizabeth Banks, Michael Bouie, Moran Atias, Remy Nozik, Brian Dennehy y elenco

UN DESPERTAR GLORIOSO (Morning Glory)

La productora lidiando con las estrellas. La TV tras bambalinas

En el género de la comedia en el cine, siempre existió la enorme posibilidad de elegir de qué/quién reirse o con qué hacer reir y esto recala directamente en la consecuencia de saber aprovechar (o no), la inteligencia que tiene el humor como herramienta para mostrar cosas mas profundas o usarlo como simple instrumento de distracción que por supuesto no le quita importancia. Reír siempre es sano.

Si algo es gracioso o no, es absolutamente relativo y por eso el género de comedia es para mí el mas difícil de plasmar en la pantalla grande. Requiere de un gran oficio y un enorme entendimiento del uso del montaje. La comedia es terrible en este sentido. Un plano que dura un segundo mas o un corte que no llegó a tiempo y el remate de un gag, un chiste o una situación graciosa se va al tacho y por supuesto, aburre. Es como cuando uno intenta contar un chiste del que se rió mucho, basándose en la imitación de gestos, ademanes y entonación de aquél que nos lo contó en primer lugar. No es tan fácil.

Un Despertar Glorioso transita por los caminos conocidos en la estructura de guiones como estos para contar (esta vez) la historia de Becky Fuller, una productora de TV que consigue trabajo luego de haber sido despedida de la emisora en donde estaba. 
Con tal de seguir haciendo lo que le gusta entrará en donde sea, así que acepta el desafío de agarrar un magazine matutino en un canal importante; pero venido a menos (anda 4º en la general, saben a donde va a parar Suar si le pasa esto no?) con el objetivo de levantar el rating. 
Becky (Rachel McAdams) tiene la vitalidad e ingenuidad de Ann Hathaway en El Diablo Viste la Moda (¿Se acuerdan? divina ella) así que le pueden poner un bulldog de jefe y ella siempre va a sonreír. Es jóven, emprendedora, bonita. ¿Por qué no ver el vaso medio lleno aunque ni siquiera tenga agua?

Ahora, ¿Por qué funcionaba tan bien "El Diablo..."? Porque ademas de tomarse el tiempo  para explorar inteligentemente en el mundo de la moda y sus consecuencias en la idiosincracia de la gente, tenía a Stanley Tucci y a Meryl Streep. 
Lo mismo pasa acá con Harrison Ford y Diane Keaton aunque, desafortunadamente, la mirada sobre el mundo de la producción de un programa de TV es poco profunda. Una oportunidad desaprovechada. En cambio, el director de Un Lugar Llamado Notting Hill, elige usar el tiempo para insertar momentos de la búsqueda laboral o la mudanza de Becky en formato de montaje/videoclip con un par de canciones que el productor ejecutivo de la banda de sonido le habrá pasado previamente. Enrique Carreras estaría orgulloso vea.

También es verdad que en ningún momento, el director pretendió mostrar mas que lo que hay, con lo cual rescato la noble intención de producir un pasatiempo agradable con Keaton, Ford y Goldblum manejando sus roles de taquito. Me hubiera gustado ver más de ellos pero bueh! 
La sonrisa Rachel McAdams le queda a uno dando vueltas junto con las risas de algunas de las situaciones que se plantean. Qué lindo todo ¿No?.
 

UN DESPERTAR GLORIOSO
Morning Glory (USA 2010)

Dirección: Roger Michell 

Guión: Aline Brosh McKenna

Montaje: Daniel Farrell, Nick Moore y Steven Weisberg

Fotografía: Alwin H. Kuchler

Música: David Arnold

Reparto: Rachel McAdams, Harrison Ford, Diane Keaton, Jack Davidson, Noah Bean, Jeff Goldblum y elenco.    

SANCTUM 3D (Sanctum)

Frank y su equipo de buzos. Increíble lo que ilumina una lamparita

Hay algo en Sanctum 3D que no me termina de cerrar: El Afiche. O sea, dice que es del productor James Cameron y bla bla blAvatar, Sí. Pero hay 8 productores en esta película (o sea 8 tipos que deciden sobre como invertir la guita). James Cameron es uno de ellos, pero la mano del director se nota poco. Está en escencia, sobre todo porque con El Abismo y Titanic quedó claro que el tema de la inmensidad del agua en océanos es algo que lo moviliza mucho. Sobre el agua con Titanic y bajo el agua con El Abismo y la sensación claustrofóbica que esta transmite ante la imposibilidad de sobrevivir si algo sale mal.

Frank (Richard Roxburgh aquel Drácula en Van Helsing) es buzo. Ama lo que hace y bajo el agua encontró su lugar en el mundo. El equipo que lo rodea para llevar a cabo la hazaña de explorar cuevas submarinas, tiene la misma característica que tienen los equipos de trabajo en las películas de Cameron. El Abismo (y perdón que insista) es un ejemplo, pero también aquellos que arma antes de llegar al planeta de los Aliens o los que se preparan para entrar en Avatar. Fácilmente uno identifica dentro de los personajes, cuales van a ser los héroes, los villanos y hasta los que van a morir primero.
Esto es la escencia. Cameron está presente hasta aquí y parecería difícil que la película haga agua (chiste); sin embargo el bote se termina hundiendo. No del todo, pero lo suficiente como para que todos abandonen.

Lo malo de hacer una película clase B o de bajo presupuesto (bajo para USA, no?) con gente acostumbrada a otros presupuestos, es que se olvidan que el guión tiene que ser sólido y bien contado. Si no pasa esto, o sea si hay fallas de continuidad o situaciones poco claras, se arriesga al ridículo (y a gastar dinero al cuete). Yo tuve que hacer concesiones y aceptar convenciones para llegar al final de esta historia y decir que es entretenida.

Frank y su equipo están abocados a terminar de explorar el sistema de cuevas subterráneas mas grande del mundo en Nueva Guinea. Lograron un gran avance en lo que ellos definen como la única frontera no explorada en el planeta. Frank tiene un hijo y la relación con este pende de un hilo entre la admiración y la sensación de abandono del adolescente y la indiferencia de su padre en pos de sentrise pleno haciendo lo que le gusta. Lindo conflicto para resolver un par de kilómetros bajo el agua. Bien podrían y a tomar un café por ejemplo. Sigo.

El argumento depende de una lluvia torrencial que impide que todos suban a resguardo y de la pésima decisión de dejar, ya no digo bucear; siquiera bajar al lugar, a una chica que no tiene experiencia alguna en esto. Es linda, si. Pero eso no alcanza.

No es que no es creíble lo que pasa después. Ante la imposiblidad de subir y con la lluvia inundándo todo, hay que buscar otra salida. Todo bien.

El tema son las decisiones que el director toma para que podamos ver lo que el quiere contar. El punto es aceptar que el equipo de exploración esté mirando en un monitor, imágenes de donde están los buzos que no se sabe quién las transmite porque webcams no tienen y el robotito que mandan tiene ciertas limitaciones. Por otro lado, cada uno lleva una luz linterna incorporada a la cabeza y a pesar de quejarse mas de una vez de que no andan bien, estas iluminan la oscuridad como si fueran las lámparas del logo de la Fox. ¿Que quiero decir con esto? Son líndas las imágenes, tienen cierto tono, hasta "postalesco" diría; pero hay un mal uso de la fotografía que no es estético; sino técnico y argumental. 

De todos modos es gracias a que uno hace esa concesión que se puede disfrutar de una buena dirección de arte ocupada plenamente en diagramar la inmensidad de lo desconocido. En este sentido, es visualmente impactante. Hay otros ejemplos de esto que digo como por ejemplo la decisión estética para la uitilizaión del 3D en donde lo que se resalta es el fondo, o las paredes de la cueva o el agua misma y esto queda recortado por la capacidad de la pantalla y por ende, se pierde la gracia del recurso.

En fin, Sanctum tiene ritmo y vértigo y probablemente lo entretenga si hace caso omiso a las preguntas que le van a ir surgiendo en forma natural. Ahora, si trata de respondérselas, se va a hundir tan lentamente como el Titanic.

SANCTUM 3D
Sanctum (USA, 2011)

Dirección: Alistair Grierson

Guión: John Garvin

Montaje: Mark Warner

Fotografía: Jules O'Loughlin

Música: David Hirshfelder  

Reparto: Richard Roxburgh, Ioan Gruffudd, Rhys Wakefield, Alice Parkinson, Dan Wyllie y elenco     

MI ABUELA ES UN PELIGRO 3 (Big Mommas: Like father, like Son)

Martin Lawrence en la tercer entrega de este mamarracho

Yo ya no sé que hacer. Le juro que sufro a veces, viendo lo que se viene. Me costó tiempo razonarlo y llegué a una conclusión final que me cierra y pone a películas como esta en un contexto que puedo entender y aceptar. Otro día se lo cuento en un informe mas elaborado, el punto es que se acerca el momento y siento un escozor en la columna: es el terrible miedo a perder tiempo. 

Ya lo hice antes (dos veces) con esta saga que tiene otra vez a Martin Lawrence con kilos de latex encima y horas de impostar la voz como una vieja desagradable que resuelve casos que él como detective del FBI no puede resolver con 3 o 4 órdenes de allanamiento y la recolección del testimonio de los testigos que mas o menos debería ser el proceso común de una investigación seria. 

Esta vez el hijastro del protagonista es testigo de un asesinato, pero en vez de protegerlo como testigo lo disfraza a él también, total el tour lo paga el FBI y de paso aprovechan. Ellos para ver un monton de mujeres hermosas y los guionistas para poner la "imaginación" al servicio del humor escatológico y sin sentido en chistes y gags que se deben haber hecho los marineros de Colón durante esos viajes largos en carabela. El público se renueva mi amigo, así que en este sentido, los viejos chistes de Jaimito tienen chance de hacer reír a alguien.

UD se preguntará: ¿Para qué van a hacer esta película si no van a poner esas situaciones?

Yo me pregunto lo mismo.

MI ABUELA ES UN PELIGRO 3 

Big Mommas: Like father, like Son (USA, 2011)

Dirección: (es una forma de decir) John Whitesell

Guión: Matthew Fogel

Montaje: Priscilla Nedd-Friendly

Fotografía: Anthony B. Richmond

Música: David Newman

Reparto: Martin Lawrence, Brandon T. Jackson, Jessica Lucas, Michelle Ang, Portia Doubleday y elenco




 

EL CONCIERTO (Le Concert)

Los hermosos personajes de El Concierto a punto de salir de Moscú

Subamos el volumen.

Terminada de ver esta película, me quedaron tantas sensaciones agradables que da miedo ver una siguiente película a riesgo de que la sensación desaparezca. Así que mejor voy preparandome mientras escribo estas breves líneas sobre la película El Concierto de Radu Mihaileanu.

Quisiera, primero, aclarar algo que puede ser confuso desde el afiche. ahí se ve un plano general de una orquesta en un teatro de Francia. Desde que tengo memoria, la música clásica ha sido "elitizada" por un montón de gente y parece como si se hubiera puesto una barrera que la hace inaccesible para el resto. Ya sé, es una figura común pero sobre todo una sensación que siempre tuve como cierta y que me sirve como pie para decir: El Concierto es para todos los públicos que quieran ver una gran película.

En los títulos del comienzo, una orquesta trata de ponerse a punto, se ve como fuera de foco esto. Incluso la mano de quién dirige la orquesta se ve como difusa. La finalización de los créditos, mostrará que esa mano es la de un ordenanza que 30 años atrás era el gran Andrei Filipov (Alexeï Guskov), director de la Orquesta del Bolshoi que fue despedido por un superior al enterarse de que parte de los músicos del Bolshoi era judío. No sólo fue despedido; sino que además interrumpieron el concierto Nº 1 para violín de Tchaikovski frustrando a Andrei para siempre, ademas de degradarlo y condenarlo a limpiar el lugar que lo vio en la gloria como director de orquesta.

El fin de la Guerra Fría, dejó secuelas en las sociedades de todo el mundo. En Moscú ni hablar.
Pero estamos en el cine, en donde todo es posible. Como por ejemplo que Filipov intercepte un fax proveniente de Francia que tiene la intención de contar con la hoy venida a menos, Orquesta del Bolshoi para tocar en el Châtelet Theater.
Un gesto. Sólo un gesto del actor Alexeï Guskov, hizo falta para prever lo que sucedería. Y lo que sucede es una historia hermosa sobre gente que llegó hasta el presente con la mente arraigada en un pasado de frustraciones que dejó actos reflejos inevitables y desopilantes por parte de gente que vivió una Rusia inimaginable hoy día. 

Volver a armar la orquesta para seguir aquel interrumpido concierto, pero ahora en Francia y convocar a una solista en violín que enlaza su popia historia relacionada con el director. Este es el hilo conductor de todo lo que sucede. Así de sencillo y así de difícil porque no es tan fácil mantener el equilibrio en una película como esta sin caer en recursos visuales y escritos que rocen lo meramente pasatista. 

La elección de Tchaikovski no es por azar. Fue uno de los músicos que por estética se alejó de aquel grupo de los cinco que existió para revisar, reivindicar y componer por y para Rusia. Tchaicovsky no podía cernirse solo a eso, necesitaba dejarse influenciar por el resto de Europa y poder expresarlo. Lo mismo pasa con el Andrei Filipov en su historia. Su elección de músicos judíos tiene que ver con la capacidad interpretativa y punto. No importaba la política, lo importante era la música. Y lo mismo le va a pasar a UD. La política, y la música clásica son un contexto para contar esta comedia maravillosa. Vaya. Lo que importa es el cine.

EL CONCIERTO
Le concert (RUSIA, 2009)

Dirección: Radu Mihaileanu

Guión: Radu Mihaileanu, Matthew Robbins y Alain-Michel Blanc 

Montaje: Ludo Troch

Fotografía: Laurent Dailland

Música: Armand Amar

Reparto: Alexeï Guskov, Dimitri Nazarov, Mélanie Laurent, François Berléand, Miou-Miou, Laurent Bateau, Valeri Barinov y elenco

INVASION DEL MUNDO: BATALLA LOS ANGELES

Un folleto cargado de tiros y efectos. Enlístese Ya.

Buenas, tome algo. 

Me pasó algo lamentable con esta película. Fíjese que apenas arrancó, sentí que me estaban vendiendo un buzón. Mejor dicho, otro buzón. Será que cuando era mas chico me los compré todos en el cine así que cuando veo una película así me doy cuenta de que ya lo tengo repetido. Al buzón, digo.

Hace algunas horas atrás estaba caminando por la peatonal Lavalle acá en Buenos Aires. De Carlos Pellegrini a Florida o sea cuatro cuadras. Y como sé que los repartidores de volantes, folletos y papelejos laburan de que la gente los agarre, yo voy y los agarro. No me importa de qué sean total después los tiro en la basura así siento que estoy "jugando limpio"  

Pero esta vez los leí. Eran varios folletos. Seis.

Había uno de una exhuberante señorita que me aseguraba que lo iba a pasar fenomenal si iba a donde ella estaba, tenía un teléfono y la dirección pero se me ocurrió que el mensaje no era sólo para mí así que no me sentí taaan exclusivo. 

Además, después leí otro con otra señorita (esta vez rubia) que aseguraba lo mismo. Algo me dice que hay gato encerrado en todo esto. Desconfío y paso al siguiente: Madame nosecuanto, asegura ver el futuro usando cartas, flores y no sé que más. La poderosa señora puede hacer que la mujer que me dejó vuelva conmigo lo cual me genera cierto rechazo. Me tiento a llamar para ver si no la puede alejar más todavía pero no quiero caer en el chiste fácil. 

El cuarto folleto tiene un título que me remite a una consigna de algún grupo separatista reclamando por uno de sus compañeros. Dice: Tenedor Libre. El resto del folleto me desazna de mi error de interpretación al poner precios muy bajos para comer todo lo que yo quiera. Igual se lo discuto a UD y a quién sea. ¿Por qué sólo el Tenedor es libre? Si el cuchillo está encerrado, debe ser que no hay nada para cortar lo cual explica por qué es tan barato y si pusieran Cuchara libre daría la sensación que sólo sirven sopa y compota. Hay que cambiar a cubiertos libres y ya. Es una orden!

Bueno, me fuí de mambo. 

El quinto folleto invitaba a hablar fluído en inglés en sólo seis meses. Yo tardé como 15 años vea, así que no imagino como puede producirse este prodigio, en todo caso maldigo que no me haya llegado en ese entonces. Habría podido estudiar dos o tres carreras mas. 

A final no compré ningún buzón de los que me querían vender. ¿Vio que al final uno puede aprender de los errores? Ahí tiene. 

¿El sexto folleto? Ah! Es esta película. Entre líneas dice que si UD se hace Soldado Marine, le van a dar un uniforme re-lindo, armas de todos los calibres (una bala de pistola suena como un taladro hidráulico en esta película, así que imagíniese una ametralladora). Si se enlista, nunca va a dejar atrás a un compañero, siempre luchará por la libertad de todos los pueblos. Aunque ningún país lo llame para pedirle nada. UD va a ir igual a defender la democracia y si no, se queda en USA a velar por la seguridad de sus compatriotas americanos y siempre tendrá una guerra asegurada para calmar su sed de acción. Y ni hablar si es negro o latino. Parece que tenemos la prioridad para ir al frente de batalla. Y lo mejor, es que si ve un huérfano por ahí en pleno campo de batalla le va a poder decir que el es re-valiente por aguantarse ver morir a su padre y que él es el mejor Marine que puede haber en el mundo. Así desde chquito en nene sabe lo que tiene que hacer. 

Lo que pasa es que este folleto está disfrazado de invasión extraterrestre con toda la parafernalia de efectos especiales. No había tiempo para diseñar monstruos así que cuando vea que los aliens son un pedazo de bofe con fierros incrustados y manejados a control remoto no se asuste. 

Ya no colecciono folletos, "jugué limpio" y los tiré todos en el cesto mas cercano.

INVASION DEL MUNDO: BATALLA LOS ANGELES

Battle: Los Angeles (USA, 2011)

Culpa de: Jonathan Liebesman

Guión: Christopher Bertolini

Montaje: Christian Wagner

Fotografía: Lukas Ettlin

Música: Brian Tyler (Buenísima)

Reparto: Aaron Eckart, Ramón Rodriguez, Cory Hardrict, Gino anthony Pesi, Ne-Yo, James Liao y elenco.

UN FERIADO PARTICULAR (Pranzo di Ferragosto)

Gianni Di Gregorio y las mujeres que acompañan la comedia de la vida

A veces me complico demás para tratar de transmitir las sensaciones que me provoca ver una obra de arte. Busco adejtivos, comparaciones, hacer un poco de historia y realmente termino escribiendo cosas que se alejan de aquello que me propuse en un principio o peor aún, no diciendo nada. "Keep it simple" (simplificá) me decía un amigo una vez (o era un slogan?).

Apelo a la sencillez de este consejo para decirle que finalmente se estrena en nuestro país Un Feriado Particular. ¿Alguna vez estuvo en una reunión familiar en la que se hizo pis de risa escuchando algún tío o algún abuelo contar una anécdota? Ese momento familiar en el que todos acotan algo y las carcajadas las escucha hasta el vecino, se transforma en una suerte de foto hablada de la forma de expresarnos. Y es tan nuestra raíz, tan la madera de la que estamos hechos, que la vamos a transmitir igual a la siguiente generación o a nuestros amigos. Este es el termómetro y la base que el comediante y guionista Gianni Di Gregorio usó para Un Feriado Particular. La simple foto de una situación familiar con un conflicto pequeño y altamente rendidor que en una anécdota familiar podría ser: "Cayeron un par de tías en mi casa y me las tuve que bancar todo el fin de semana"
Bien podría esta frase resumir el argumento de la película pero hay bastante mas que eso. El gran méritos que tienen estos 75 minutos deliciosos es tener detrás de las cámaras a un gran observador de la vida y de la clase media en la Italia de hoy (o Argentina o España o cualquier lugar del mundo en donde pedir fiado se transforma en el botón de muestra de la situación económica) y plasmarlo tal cual. 
Las cuatro mujeres que trabajan de actrices no tuvieron mas que vivir en el set un rato de sus vidas en el que hasta pelearse por la tele o por el desayuno tiene fundamento. Y el Gianni Di Gregorio actor, es un nexo perfecto para meterse a entramar y ordenar las acciones de los personajes para sacarle el jugo a cada toma.

Un Feriado Particular es una pequeña (en presupuesto) gran película para vernos ahí. Con nuestro buen humor en la buena y en la mala y con los ojos puestos en el corazón.

UN FERIADO PARTICULAR

Pranzo di Ferragosto (Italia, 2008) 

Dirección: Gianni di Gregorio

Guión: Gianni di Gregorio y Simone Riccardini

Montaje: Marco Spoletini

Fotografía: Gian Enrico Bianchi

Música: (Sin música original) 

Intérpretes: Gianni di Gregorio, Valeria de Franciscis, Marina Cacciotti, María Cali, Grazia Cecarini Sforza, Alfonso Santagata y Elenco

ZAPPING CINE. Rápido recorrido por los estrenos de la semana

La mejor semana de estrenos en lo que va del año. Por calidad y por variedad, cada una de las cuatro películas que renuevan la cartelera proponen y desafían a su modo. Pase y vea. 

RANGO

En apariencia una para chicos, pero este homenaje al género del western tiene mucho mas. Personajes oscuros, humor ácido y cierta oscuridad propia del director de La llamada y La Maldición del Perla Negra. Al principio la rechacé un poco pero despúes fui entrando en la propuesta de la película y me divertí mucho con los guiños a westerns históricos y el ritmo de aventura vertiginosa. Hay escenas que son un cuadro. Bien el doblaje, pero hubiera sido lindo poder ver la versión original con la voz de johnny Depp. 

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LA REVELACION

"La Revelación" me encontró debatiendo en mi cabeza los manejos de la libertad en manos de gente tan posiblemente culpable como todos nosotros. Estemos o no encerrados tras las rejas del devaluado concepto de la justicia. Me dominó una constante sensación de rechazo hacia ese personaje fenomenal que compone Robert De Niro y que encuentra en el Edward Norton un antagonista notable. ¿quienes lo manejan y cual es el criterio para que el sistema carcelario funcione? La película me propuso. Me gustó que lo haga, y aquí estamos.   

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FASE 7

Que hallazgo! Daniel Hendler y Yayo construyen dos personajes con una comicidad poco habitual.en nuestro cine, en el marco de una comedia de ficción que plantea una pandemia que acaba paulatinamente con toda la población y un edificio a estrenar que se pone en cuarentena con los poco habitantes que tiene. Referencias al género bizarro, a la historieta y al cine catástrofe. Luppi está fenomenal también y hasta la música es excelente con esos sintetirzadores a la John Carpenter. 

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INFIERNO AL VOLANTE

Al prncipio pensé "otra de Nicholas Cage", después me llevé una grata sorpresa con esta película con muucha acción en 3D. Un escape del mismo infierno para realizar la venganza del asesintao de su hija y un diablo de traje que trata de acazarlo. Si se deja llevar por el humor negro, tiros sexo y rock and roll la va a disfrutar mucho. A ver... Es como cuando en un casamiento suena el odioso Carnaval Carioca y viene un amigo ya prendido en el trencito y te dice: "¿Qué querés que suene, Tchaicovsky? Agarrá el vino y dejaste de joder!" Y al final terminás saltando mas que los otros.
Eso es esta película, si no está dispuesto a bailar este ritmo, vaya a ver otra cosa.

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