OSCARS 2011

83 años de Oscars y pocas sorpresas

Miro los Oscars desde que tengo memoria. El mas viejo de los recuerdos es de 1983. Tenía 11 años y necesitaba saber si E.T. iba a ganar el premio a mejor película. Al final Ghandi se llevó todo ese año y desde entonces no perdí ninguna. 

Y me gusta ver la ceremonia. 

La disfruto. 

Hoy parece que es popularmente correcto decir que la transmisión es un embole y lo dice gente de los medios que jamás vio la entrega seriamente y con suerte si vio un par de las películas nominadas. Es verdad que hubo alguna entrega que se hizo demasiado larga; pero para mí tuvo que ver con las películas nominadas que generaban un interés casi nulo. Un ejemplo fue la emisión de marzo de 1997 que finalmente premió a El Paciente Inglés como la mejor del año 1996. Una película que nadie recuerda porque casi nadie la vio. 

Ese año yo esperaba que Fargo se llevara la estatuita, mas por los Cohen que por otra cosa pero el punto es que la dinámica de la ceremonia es la misma siempre y si se hace larga o no, no tiene que ver con lo que dura el evento: Si tenés cinco tanques que compiten entre sí, la expectativa es distinta. 

No sé qué buscan los supuestos especialistas o los panelistas de ocasión con los Oscars. ¿Qué quieren, que salga la mano de Jack Nicholson por la pantalla? De todos modos, viendo a esa misma gente cuando se entregan los Martin Fierro, ceremonia que sirve para que la farándula coma gratis y para faltarle el respeto a su propia comunidad cuando ignora al que está arriba del escenario con sus agradecimientos, es entendible por qué dicen lo que dicen.

Al Oscar le pueden acortar el tiempo de discurso a los premiados o hacer clips mas cortos pero en definitiva sigue siendo el mismo concepto. Así que, para que quede bien clarito: a mí me gusta la entrega de los Oscars aunque se premie un cine que hace rato está en baja en ideas y que no representa el tipo de cine que mas disfruto. Pero... una cosa no quita la otra así que aquí va, en mi opinión, cómo deberían repartirse los premios este año. (Confieso que es mas fácil de poner El discurso del Rey, pero me la juego)

Mejor Película: The Social Network
Mejor Dirección: David Fincher por The Social Network
Mejor Actor: Colin Firth por The King’s Speech
Mejor Actor de Reparto: Christian Bale por The Fighter
Mejor Actriz : Natalie Portman por Black Swan
Mejor Actriz de Reparto: Helena Bonham Carter por The King’s Speech
Mejor Película de Animación: The Illusionist
Mejor Dirección Artística: Alice in Wonderland
Mejor Cinematografía: Black Swan, Matthew Libatique
Mejor Diseño de Vestuario: Alice in Wonderland
Mejor Documental: Waste Land
Mejor Cortometraje Documental: Strangers No More
Mejor Edición/Montaje: The Social Network
Mejor Película en Lengua Extranjera: Biutiful (México)
Mejor Maquillaje: The Way Back
Mejor Música Original: The King’s Speech,Alexandre Desplat
Mejor Canción Original: “I See the Light” de Tangled, Música de Alan Menken, letra de Glenn Slater
Mejor Cortometraje de Animación: Let’s Pollute
Mejor Cortometraje: Na Wewe
Mejor Edición de Efectos de Sonido: Unstoppable
Mejor Sonido: Inception
Mejores Efectos Visuales: Inception
Mejor Guión Adaptado: The Social Network (Aaron Sorkin)
Mejor Guión Original: The King’s Speech (David Seidler)

ZAPPING CINE. Rápido recorrido por los estrenos de la semana

Ya parece habitual. O bueno, ya se me hizo un hábito, como le guste. Acá vá una mirada rápida a los cuatro estrenos de esta semana y las sensaciones que me dejaron. 

AMIGOS CON DERECHOS

Una comedia romántica y sexy con una buena pareja con buena química. Natalie Portman y Ashton Kutcher se vuelven a encontrar y reinician su relación sin condicionamientos. Dirigida por un habitué del género, Iván Reitman (El Pelotón Chiflado, Gemelos, Un detective en el Kinder, Presidente por un Día) la película me hizo reir y olvidarme por un rato si tiene o no cosas de Cuando Harry Conoció a Sally, la película del género referente de los '90 a esta parte. Tiene para mi gusto, 10 minutos de mas.

BIUTIFUL

Profundo, perturbador, polémico. Así es el cine de Alejandro González Iñárritu y Biutiful no es la exepción. Vale la pena su mirada sobre una Barcelona sub-mundana, sombría y cruel que alberga inmigrantes ilegales que son traficados como mano de obra barata por el personaje de Javier Bardem, quien llegado a un punto, iniciará su propio recorrido en busca de la redención. Aún a costa de los que lo rodean. Todo lo que le pasa me llegó a la médula y me encontró con mis propias contradicciones. Gran película para debatir después del cine y café mediante. 

127 HORAS

Una "basada en hechos reales" con todo lo que esto significa. El director de Trainspotting se las sigue arreglando para mover la cámara como un espástico aunque lo que tenga que filmar es un tipo que no se puede mover. Sobra ritmo y adrenalina para otra historia de superación de la adversidad. ¿El Oscar? si gana esta película no escribo mas de cine. 

JUSTIN BIEBER

MTV sabe hacer este producto como nadie. 99 minutos para contar la historia de un nene con poco mas de un año de carrera, usando la carcaza del guión documental que se puede usar para filmar la vida de mi tía, sólo que en este caso es rubio, lindo, con talento para la música y sobre todo una máquina de vender remeritas, posters y conciertos para audiencias de 11 años de promedio de edad. ¿La música? ¿Qué quiere que le diga? A mí estos productos me suenan todos iguales y encima no me hacen mover la patita. 

Más abajo en el Blog, se puede leer mas en profundidad sobre cada una, pero digamos que las sensaciones de esta semana son estas. Hasta la próxima. 

BIUTIFUL

Un Javier Bardem excelente al igual que el resto del elenco

Buenas, tome algo.

No hay nada que hacerle. Alejandro González Iñárritu ha logrado nuevamente que me ponga a polemizar conmigo mismo sobre su cine. Sus cuatro películas me dejaron siempre sensaciones de bronca, angustia, compasión, inquietud; pero sobre todo me dejaron pensando, elucubrando conclusiones. No es poco mérito para un cine que viene ya todo masticado, tragado y digerido desde Estados Unidos o en cuenta gotas de otros lugares del mundo.

Es difícil encontrarse con directores que abran el juego. Que pongan las cartas en el paño y se animen a desafiarse a sí mismos (y conocerse) y lograr lo mismo con el espectador. Iñárritu es uno de esos directores. Le puede gustar o no. Pero no le va a dar lo mismo verlo o no verlo. La sensación perturbadora que propone en la atmósfera de sus películas persiste. 

En Babel, el núcleo principal era la comunicación. Partiendo de la base del pasaje bíblico, Iñárritu planteaba que la falta de comunicación entre las personas no tiene que ver con el idioma sino con haber llegado a un punto de la civilización moderna en la que la gente ya no se conecta con otra gente, ni siquiera dentro del seno familiar.

En Biutiful, el tema de los idiomas sigue estando ahí presente pero ya no suponen una barrera. Al contrario, la comunicación debe exisitir para poder sobrevivir en esta Zooropa del siglo XXI. Las personas que habitan esta película pertenecen a una España políticamente decadente y desbordada de inmigrantes que intentan llegar a los lugares del mundo en donde todavía hay chances de comer un par de veces al día. Aquí la película se detiene y busca minucusiosamente mostrar esta realidad y por momentos hasta parece querer documentarla mostrando a un grupo de personas de Senegal, otro de China y a la clase media baja como si también formara parte de otra etnia inmersa en la misma realidad con la única diferencia de no correr el riesgo de una deportación.

Javier Bardem (que entrega un trabajo fenomenal) es Uxbal, un hombre del mundo marginal de una Barcelona voraz y que como habitante del mismo tiene tres características: Vive de traficar mano de obra textil barata e ilegal y de transar con la cana la parada de de los senegaleses y sus valijas de artesanías; tiene dos hijos y está separado y por último tiene la extraña capacidad para comunicarse con los muertos.

Sería importante aclararle que hay una diferencia no menor con respecto a sus anteriores películas y es que ya no hay laberintos ni recovecos en la forma narrativa. No hay avances y retrocesos que van uniendo las piezas del rompecabezas. El relato es lineal y a lo mejor es porque esta es la primer película que el director hace sin su guionista habitual, Guillermo Arriaga. Sí, hay un nexo común en las mencionadas características. Un nexo que le va a servir al director para unirlas y es que Uxbal se está muriendo de cáncer.

Este factor es el punto de partida para que comience una intensa búsqueda del perdón. Es un hombre que llegó a un punto sin retorno en el que la redención de los hechos que conforman su vida parece ser lo único que todavía le da algún sentido. La proyección de esta incertidumbre en la vida de sus hijos hace mas difícil el recorrido, pero en definitiva las conclusiones de su vida están claras y sentenciadas. Por eso la única escena familiar es desgarradora, Uxbal no quiere arreglar el mundo a partir de saber su destino, quiere lavar sus culpas. Nada mas humano. Inevitablemente humano

Hay una Barcelona solitaria, cruel, sombría e implacable. Una Barcelona (o Buenos Aires o Berlín o Nueva York) que no está en los folletos y que genera un clima opresivo y desesperanzador gracias a la maravillosa fotografía de Rodrigo Prieto, y la musica de Gustavo Santaolalla. Dos con asistencia perfecta en la filmografía de Iñárritu.

Es verdad que a lo mejor se quiso abarcar mucho y que al rompecabezas, por plantearse armado desde el vamos, le sobran piezas, pero no le quita los grandes méritos que Iñarritu tiene como director. Entre ellos, el tratar de mostrar que la sociedad del mundo actual está enferma y que tenemos que hacer algo pronto.

BIUTIFUL

Biutiful (Mexico / España) 2010

Dirección: Alejandro González Iñárritu

Guión: Alejandro González Iñárritu, Armando Bo y Nicolás Giacobone

Montaje: Stephen Mirrione

Fotografía: Rodrigo Prieto

Música: Gustavo Santaolalla

Reparto: Javier Bardem, Maricel Álvarez, Diaryatou Daff, Eduard Fernández, Ana Wagener y elenco 

JUSTIN BIEBER: NEVER SAY NEVER

Un pibe con talento convertido en máquina de merchandising

Qué bárbaro. Qué industria MTV, realmente. Lograr ser lo que es hoy a traves de los años y las mutaciones, indudablemente tiene su mérito. Y yo ando ahí, recordando el video de Money for Nothing de los Dire Straits, el primer clip que ví en mi vida, sabiendo que era un clip y que se hizo ya como parte de la historia de la música propuesta por MTV. Y engendraron muchos. Los Unplugged, los dibujos, los real life shows y las biografías, claro.
Qué bárbaro MTV. Solamente esta gente puede hacer 99 minutos de película con un nene, Justin Bieber, que para cuando se estrene acá en Argentina va a estar a cinco días de cumplir 17 años, un año y pico de carrera y 1 (¡¡UNO, UN!!) disco editado. Y ahora una película propia. 
Qué bárbaro MTV, lo que es conocer a su público. Lo que es tener una carcaza armada en función de un artista. Cualquiera eh? Si agarran esta estructura de guión y reemplazan las fotos, el facebook, las filmaciones y los "entrevistados" de turno que hablan del talento en cuestión da exactametne lo mismo. Con esta estructura básica la gente de MTV puede contar la vida de Michael Jackson, la de Pichuco o la de Julio Iglesias.
Qué bárbaro MTV. Lo fácil que debe haber sido hablar con la madre, los abuelos, el padre (en compañía de un buffet de abogados, por supuesto) para que aparezcan en una silla del patio de la casa hablando del nene con un pianito nostálgico de fondo. y lo fácil que fue agarrar la carcaza de biopic que tienen en el disco rígido e insertar todo en 4 días con planos de las nenitas de 12 años que gritan y mueren por Justin y por una entrada. 
Qué bárbaro MTV. Saben que tienen que contar algo porque si no la gente no compra. Hay que poner algo trágico y terrible (en cine lo llamaríamos conflicto, por ejemplo) Para los fans de Justin Bieber 3D alcanzará con mostrar a un doctor que dice que tiene la garganta un poco inflamada. Escenas de Justin, aburrido en la cama twiteando alguna cosa y sin poder hablar por consejo de su coach. Terrible.
Y después, la llegada al Madison Square Garden para comparar a Justin Bieber con Los Rolling Stones por ejemplo, en la boca de un famoso productor que asegura que nunca vio nada igual en la historia de la música. 


Qué bárbaro Nickelodeon. Todo lo que tuvieron que hacer (además del contrato con el pibe) fue conocer a alguien en MTV. 

Qué bárbaro. Llegué a los créditos finales de Justin Bieber 3D: Nunca Digas Nunca. Algo de mérito tengo.
Pienso, luego escucho. 

JUSTIN BIEBER: NEVER SAY NEVER
Justin Bieber: Never Say Never (USA) 2011

Dirección: ¿dirección? Jon Chu

Montaje: Jay Cassidy, Jillian Twigger Moul y Avi Youavian

Guión: ¿Qué guión? Jon Chu

Música: Justin Bieber y Deborah Lurie

Fotografía: Reed Smoot

Reparto: Justin Bieber y familia y amigos

127 HORAS (127 Hours)

Danny Boyle dirigiendo otra película de edición vertiginosa

¿Que tal?
Otra vez este director me tuvo agarrado a la butaca y otra vez, pasada la vuelta de la montaña rusa, me quedó sólo eso. Un recuerdo entretenido. ¿Existirá para este director algún otro recurso que no sea un montaje vertiginoso de cuatro mil planos detalles insertados en 5 panorámicas? Igual no es lo que importa, perdón.
Es posible que yo ya no preste mas atención porque vi una tonelada de películas en mi vida pero, lo de poner "basada en hechos reales" no es muy trillado ya? Quiero decir: ¿realmente se enganchan espectadores todavía con esa frasecita? Yo creo que no. Y a veces dice "inspirada en hechos reales" Ahí agarrate. En ese caso puede que lo único fiel y real a los hechos sea la estación del año en que ocurren o si el Dow Jones estaba en baja. Sí. Desconfío un poco de estos ardides publicitarios. 

Una pregunta: ¿Si Danny Boyle no hubiera filmado Slumdog Millionaire y ganado el Oscar por esa película, estaría nominada 127 Horas este año?

En el poster hay un tipo haciendo equilibrio entre dos montañas con una roca en el medio que pareciera evitar que se junten, dice "cada segundo cuenta" y "Una apasionante historia real" ¿Quiere algo mas predecible que eso?
Ok. 127 Horas ES eso. La magnificación de un hecho real que inspiró al director Danny Boyle para poner en pantalla una historia sobre la supervivencia en circunstancias terribles y que el mensaje sea, no sé: el espíritu humano superador de adversidades o el valor y el sacrificio para salir adelante ante la dificultad o sea, la misma temática de "¿Quién quiere ser Millonario?" pero en un escenario distinto.
Por eso el título. Si el hecho es pequeño, cuanto mas número haya para agrandarlo mejor. No es lo mismo poner "127 Horas" que "5 días y pico" o "Casi una Semana" ¿Se da cuenta?
Esta película es la narración del tiempo que pasa un aventurero al que le gusta salir de su casa sin avisar para... escalar una montaña, por ejemplo y que en una de estas salidas al aire libre, queda atrapado por un cacho de roca sin poder moverse. Ud, preguntará: ¿Como hará el director de Trainspotting, Exterminio o la del Millonario para mover la cámara como le gusta a él con un tipo que está quieto? Se las arregla, créame que encuentra la manera y provoca el mismo efecto de caída libre vertiginosa que en sus otras películas. Si es por tensión, adrenalina y alguna uña clavada en la butaca cuente con eso y a lo mejor con algún recurso narrativo "sorpresa" ahora... si el protagonista sobrevive y cómo lo hace o si esta película puede ganar el Oscar, eso sí que no es nigún misterio.   

127 HORAS

127 hours (USA, 2010)

Dirección: Danny Boyle

Montaje: Jon Harris

Guión: Danny Boyle y Simon Beaufoy

Fotografía: Anthony Dod Mantle y Enrique Chediak

Música: A.H. Rahman

Reparto: James Franco, Kate Mara, Amber Tamlin, Sean Bott, Treat Williams y elenco

AMIGOS CON DERECHOS (No Strings Attached)

Natalie y Ashton buscando química sin compromiso

No les voy a mentir. Para hablar de esta película tengo que eliminar la palabra clisés de mi vocabulario durante las próximas líneas ¿Estamos de acuerdo? (asientan con la cabeza)
Bien, esta comedia me entretuvo un montón y a la vez me pareció con 10 minutos de mas dentro de la sección del guión que se llama desarrollo, lo cual no la hace necesariamente larga sino mas bien redundante.
Hablo de Amigos con Derechos. Empecems por decir que la decisión del título en Argentina es comercialmente acertada. Tiene gancho aunque su título original sea No Strings Attached, una expresión que en casos como estos (me refiero a lo que sucede en la película) se traduce: sin condicionamientos o sin límites, en los términos de un acuerdo mutuo.
Sobre la base del reencuentro de dos ex-compañeros de estudios que van reconstruyendo su vínculo de a poco (claramente una atracción hay) Iván Reitman logra sacar adelante esta comedia romántica y sexy a la vez. Viejo conocedor del género con títulos dispares como El Pelotón Chiflado, Presidente por un Día o las tres que hizo con la dupla Schwarzenegger-DeVito, Reitman sigue siendo de los directores que saben que una buena comedia necesita de buenos actores, o al menos actores funcionales a un guión determinado. Si no es así, se cae.
Para Amigos Con Derechos tomó a Ashton Kutcher y a Natalie Portman que sin tener una química explosiva, se las arreglan bárbaro para componer una pareja convincente y fresca. Ahondar sobre la historia sería revelar muchos minutos y ya les dije que para mí le sobran diez. En todo caso es una buena excusa para ir al cine a divertirse un rato y en todo caso, poner a prueba qué tantos "derechos" se permiten estos amigos. Y ahora sí, vuelvo a incorporar la palabra clisé a mi vocabulario, así pude disfrutar esta película sin tener que hacer una perorata sobre si todo está inventado o si ya nunca mas una comedia de este tipo va a poder evitar tener cosas de Cuando Harry Conoció a Sally. 

AMIGOS CON DERECHOS

No Strings Attached (USA, 2010)

Dirección: Ivan Reitman

Guión: Elizabeth Meriwether y Michael Samonek

Montaje: Dana Glauberman

Fotografía: Rogier Stoffers

Música: John Debney

Reparto: Natalie Portman, Ashton Kutcher, Kevin Kline, Cary Elwes, Greta Gerwig, Lake Bell y elenco 

ZAPPING. Rápido recorrido por los estrenos de la semana

Bien, 

Mas abajo en el blog podrán leer mas a fondo sobre cada una pues, la idea de este post es echar una mirada veloz a las películas que renuevan la cartelera cada semana. Cómo siempre digo: Jamas hay tener en cuenta lo que opina la crítica para elegir ver una película. A mi siempre me resultó mas productivo verla primero y leerlos después, pero igual, aquí va.

EL CISNE NEGRO.

Me encantó. Una ensalada de sensaciones. Un gran thriller dramático e introspectivo sobre la búsqueda de la perfección interpretativa de una bailarina de ballet que es seleccionada como la protagonista de una nueva puesta de el Lago de los Cisnes. Natalie Portman y una actuación de colección. Superlativa

EL LUCHADOR. 

Otra de las buenas del Oscar. Dos hermanos que boxean, uno quiere volver y el otro quiere triunfar en el marco de una familia grotesca cuya madre hace de manager. Un muestrario del decadente sueño americano llevado de la mano de un Christian Bale fabuloso. Lejos el mejor actor de esa generación que tiene Hollywood.

DESCONOCIDO.

Despues de la trilogía de Jason Bourne, insistir con la de un tipo que pierde la memoria metido en una historia de intriga, espías y demás, es como mínimo ingenuo. Es poco lo que pueden agregar los actores cuando todo es o predecible o poco creíble. Si, hay acción, es llevadera, pero es una más. 

PIRAÑA 3D.

Remake de la del '78 incluídos los efectos del gore bien a lo George Romero, tripas, culos y tetas de chicas y chicos lindos son mordisqueados por Pirañas prehistóricas que organizan un happening de litros de salsa de tomate y colorante rojo. Muchas escenas me dieron mucho asco. Asco que no pudo valorizarse con sentir miedo porque un guión a-la-Tiburón ya no lo causa. Christopher Lloyd aparece un rato y está genial. Para llevar a una novia y aprovechar para abrazala mientras se tapa los ojos.

SOY EL NUMERO CUATRO

Una de aventuras que arranca como una de nenitos lindos con poderes pero que levanta merced al tiempo que el director se toma para desarrollar sus personajes. Cada plano de los chicos parece una propaganda de perfume o de pilchas pero da la sensación de que es a propósito, así como la no presencia ni de negros, ni latinos, ni orientales. Pochoclo bien gastado si no se la toma en serio. 

HACERME FERIANTE. 

Estreno de la semana pasada. Julian D'angiolillo arranca su documental sobre la feria de La Salada con imágenes de archivo muy bien presentadas en lo que pareciera tener la firme intención de contraponer la situación del predio hoy contra su época de esplendor. Todo esto se cae a los 20, 25 minutos y se torna redundante pues no hay nada nuevo que no hayamos visto en algún informe de Graña o de Majul, sin el sensacionalismo, claro. 

EL GANADOR (The Fighter)

Lo de Christian Bale es una lección de actuación

Si.
La cosa es que hay una sensación de tema remanido con las películas de boxeo. Por suerte no es Rocky la referencia inmediata. No tengo nada contra la saga de Stallone/Avildsen porque aporta lo suyo y entre El Toro Salvaje, Mas Dura Será la Caída, Alí, Million Dolar Baby y alguna otra que se me escapa, Hollywood tiene una vasta historia de obras maestras y de las otras sobre este tema. Y pienso que una parte de la explicación es porque el contexto de los personajes que nutren estas historias, tienen mucho que ver con la ponderación o detracción del ya caído sueño americano con el eslogan del “tierra de las oportunidades” a la cabeza.
Por eso, el primer gran acierto de El Ganador (otra de las buenas nominadas al Oscar de este año), es tomar el costado decadente de la familia protagonista y “ettorescolizarlo” (Perdón, perdón. Tenía que usar este término) de manera tal que es a traves del humor grotesco, sin ser una comedia que quede claro, que David O. Russell, el director contrapone una profundidad distinta al drama del “deportista-con-vicios” que hubiera supuesto esta historia. Me gustó mucho esta película. 
Hay un balance casi perfecto entre los actores que dirimen la historia de los hermanastros Ward. Los dos son boxeadores pero uno, Dicky Eklund –Christian Bale- es unos años mayor que el otro, está casi retirado y sueña con la gran vuelta mientras va todas las noches a un fumadero de crack y el otro, Micky Ward –Mark Whalberg- creció bajo su sombra y tiene un gran conflicto entre seguir su carrera manejada por esta familia de amor tosco y violento (entre Los Simpsons y Married With Children) o alejarse de ese ambiente viciado por una fidelidad obligatoria y seguirla con gente mas profesional.

Cuando la película El ganador termina, hay 1 minuto y medio en los créditos de una entrevista a los verdaderos hermanos Ward en la que se los muestra tal cual son.
Realmente: ¡¡¡qué trabajo el de Christian Bale!!! Que trabajo brillante. Un pedazo de actor que cada vez que está en la pantalla veo un profundo compromiso con su profesión y con las criaturas que engendra. El hace que cada escena en la que está, la película en sí tenga una inyección adicional.
La música es otro acierto. No parece que las canciones que suenan estén elegidas al azar y hasta radiofónicamente están “presentados” cuando arrancan para enfatizar una situación en particular.
Si. El ganador es una película de boxeo que parte de un hecho chiquito en la historia de este deporte, para construir una gran historia muy bien contada.  

EL GANADOR
The Fighter (2010) USA

Dirección: David O. Russell

Guión: Scott Silver, Paul Tamasy y Eric Johnson

Fotografía: Hoyte Van Hoytema

Edición: Pamela MArtin

Música: Michael Brook

Reparto: Christian Bale, Mark Whalberg, Amy Adams, Melissa Leo, Mickey O’keefe, Jack McGee y elenco

PIRAÑA 3D (Piranha 3D)

Pirañitas prehistóricas con una lija tremenda

A ver...
Para empezar: Sí. Esta película es una especie de remake de la dirigida por Joe Dante en 1978 y producida por Roger Corman. Con un par de cambios insignificantes pero remake al fin. Es mas, es la tercer remake de una película de terror que hizo el director Alexandre Aja.
Recuerdo cuando tenía 10, 11 años y ver este tipo de películas podía dejarme sin dormir un mes. Claro que con mas edad y en esta época, Piraña es más una excusa para festejar la mejor mutilación mientras le tapas los ojos a tu novia. A mí me dio mucho asco qué quiere que le diga. 
La primer escena va revelando de a poco qué tan seria es la propuesta: Richard Dreyfuss (que estuvo 180 segundos y pasó por caja a cobrar las 50 lucas que luego donó a caridad) tararea la misma canción que tarareaba en Tiburón, mientras pesca en el lago. Un terremoto acuático parte el fondo en dos y salen miles de pirañas prehistóricas (si, ya sé. No pregunte). Se manducan a Dreyfuss pero siguen con mucho hambre vea. Imagínese milenios sin morfar, ciertamente cualquier animal masticaría todo lo que venga. 
A partir de ahí hay tantos efectos especiales (un homenaje al viejo gore de los 70 y 80) y tantos hectolitros de salsa de tomate, que parece un documental de La Campagnola. 
Ocurre todo en verano en Lago Victoria, un pueblo que se ve desbordado con adolescentes que saben que el descontrol y el agite está ahí. Un desfile de chicas en topless y pibes musculosos en plena y constante festichola. Y cómo son jóvenes y rebeldes, desoirán a las autoridades que piden que salgan del agua, sin saber que, por desobedientes, serán la cena de los ancianos pececitos. 
Piraña 3D (que ya tiene secuela para este año) es un rescate del cine de terror de antaño en todo sentido. Un guión que toma la fórmula de tiburón (sólo la idea) y en complicidad con el humor negro (negrísimo por momentos), riega de sangre jóven la pantalla y todo el lago con escenas que pueden ir:
desde ver como a la tetona actriz porno Gianna Michaels le devoran la mitad del cuerpo; a una piraña que escupe el pito de Jerry O'Connell (al parecer a esta altura de la película, las pirañas morfaron tanto que desechan los menudos) y cuyos restos quedan flotando en 3D frente al espectador.
Espere lo peor, o lo mejor, según su gusto por este género y desde ya que si es de impresionarse con cadáveres mutilados a mordiscos, quizás no sea esta una buena elección. Apariciones de Elizabeth Shue, Ving Rhames y Christopher Lloyd. 

PIRAÑA 3D
Piranha 3D (USA) 2010

Dirección: Alexandre Aja

Montaje: Baxter

Guión: Josh Stolberg y Peter Goldfinger


Música: Michael Wandmacher

Fotografía: John R. Leonetti

Efectos especiales: K.N.B. EFX Group

Interpretes: Richard Dreyfuss, Elizabeth Shue, Ving Rhames, Christopher Lloyd, Steven R. McQueen y elenco. 
 

DESCONOCIDO (Unknown)

Liam Neeson se acuerda poco en esta aventura

Buenas, tome algo.
Supongo que debí haber supuesto lo que me iba a pasar con esta película. Nunca mejor aplicado el término "una del montón" aunque eso no significa que no sea un entretenimiento pochoclero. 
"Desconocido" pasa a engrosar la larga lista de películas en las que alguien pierde la memoria y siente que algo raro hay, por ejemplo... a ver, déjeme pensar algo original...  ¡Ahí está! Una conspiración.  
Sigo.  
Esta película, ocurre en Europa, como en la trilogía de Bourne. Hay espías, como en la trilogía de Bourne. El protagonista va descubriendo que no es quien cree ser, como en la trilogía de Jason Bourne. Pero va teniendo flashes en su cabeza de lo que pasó antes, como Jason Bourne y su presencia no es grata ni le conviene a mucha gente, como le pasa a Jason Bourne. Conoce a una ocasional y bonita compañera que lo ayuda, como pasa en: 
Adivinó. 
Claro, como el grandote Liam Neeson, no está para acrobacias todo es un poco menos vertiginoso. Yo creo que esta fórmula se agotó con la mencionada trilogía si es que no estaba agotada ya. No es verdad que esta película no es entretenida ni tampoco que es original. Cumple. Y punto. 

DESCONOCIDO 
Unknown (USA) 2010


Dirección: Jaume Collet-Serra


Montaje: Tim Alverson


Guión: Oliver Butcher y Stephen Cornwell (Adaptación)


Fotografía: Flavio Labiano


Música: John Ottman y Alexander Rudd


Intérpretes: Liam Neeson, Aidan Quinn, Diane Kruger, January Jones, Frank Langella, Bruno Ganz y elenco.

EL CISNE NEGRO (Black Swan)

Natalie Portman, sen-sa-cio-nal

¡Cuantas sensaciones! Que fabuloso es poder ir al cine y salir con tantas cosas sucediendome en el cuerpo y en la cabeza, todo ahí a flor de piel. 
La enorme belleza visual que tiene esta película es claramente una razón válida para apreciarla en la pantalla grande, la fotografía aplicada a los momentos álgidos es sencillamente de ensueño y la música de Clint Mansell (aquel de la fabulosa partitura de Requiem Por un Sueño) tiene características de obra maestra. 
Una dirección envidiable de Darren Aronofsky que desde aquel comienzo con PI, viene haciendo una carrera interesantísima. 

Pero El Cisne Negro, este thriller dramático, es mucho mas que estos rubros. El Cisne Negro es una maravillosa historia sobre el proceso que un artista de escenario atraviesa desde la percepción sensorial de que va a ser seleccionado hasta el momento de estrenar. Y de cómo ese proceso va tomando matices en la vida cotidiana de ese artista al punto de involucrarse y mimetizarse peligrosamente con aquello que debe interpretar. La búsqueda de la perfección en la performance, es una búsqueda que para un actor o actriz implica una conexión muy profunda con su ser, conexión que puede poner al artista frente a sus mas grandes miedos, virtudes, inseguridades y frente a su capacidad de transformar esa energía interna en la poyección hacia una disponibilidad fundamental para ser dirigido y para descubrir. En este aspecto, el trabajo de Natalie Portman es DE-MO-LE-DOR. Una actuación infrecuente de ver en el cine en términos generales, simplemente porque por definición, el cine le quita teatralidad a la performance de los actores por un lado y por el otro los expone mas según el plano que se use. Natalie Portman ha logrado construir una Nina Sayers inolvidable para la historia del séptimo arte con una entrega física y espiritual que justamente es la que su personaje le exige para llegar al climax de ese aplauso invisible, por parte de un público que cae rendido en una escena final inolvidable. Mila Kunis, Vincent Cassel y Bárbara Hershey brillan en sus papeles. Dos actrices y un actor que le entregaron a Portman todo para que su criatura crezca minuto a minuto. Anímese a conectar con ese proceso por el que atraviesan Nina y Natalie, es un viaje cuyo recorrido a traves de un montaje superlativo, eriza la piel y le deja a uno lleno de cine.  

EL CISNE NEGRO 
Black Swan (USA, 2010)


Dirección: Darren Aronofsky


Guión: Mark Heyman, Andrés Heinz y John McLaughlin


Montaje: Andrew Weisblum


Fotografía: Matthew Libatique


Música: Clint Mansell


Interpretes: Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Babrbara Hershey, Winona Ryder y elenco

SOY EL NUMERO CUATRO (I Am Number Four)

Buenas, terminen de prender el pucho.

Tengo que confesarles que ví el trailer de Soy el Número Cuatro y dije: “Otra de pendejitos lindos con poderes”

Alex Pettyfer. ¿Aventura o gráfica de alguna marca de pilcha?

Y no yerré... Pero...

Disney agarró la novela de los Pittacus Lore, digo “los” porque así se hace llamar la dupla de escritores Jobie Hughes y James Frey que, viendo lo fácil que es escribir para adolescentes lindos protagonistas de propagandas de Pronto Shake (la saga crepúsculo), no le fueron en saga con este producto con el que nos veremos las caras de acá a 2014 según mis cálculos.

No estoy minimizando eh? Al contrario, los (me) estoy poniendo en situación. Porque en definitiva el director cerró una película que, al contrario de lo que hace Michael Bay (acá productor, por suerte) se toma su tiempo con cada personaje, para construirlos y dejar en claro de qué la va cada uno y a partir de ahí ir enganchando de a poco una historia que puede que a paritir de un guión predecible tenga con qué combatir la rutina de primeros planos en los que cada chico parece que está haciendo una publicidad gráfica de algún gel, un perfume o cualquier marca de ropa informal.

USA sigue teniendo un índice altísimo de sobrealimentación en adolescentes pero por supuesto que en Soy El Número Cuatro, no hay un sólo gordito, una sola nena con acné ni nadie con aparatos en los dientes y hasta me cuesta recordar si hay alguien de otra raza que no sea la anglosajona. No. Son todos perfectitos pero el director parece mofarse entre líneas de todo esto. Como si conociera el paño en el que está jugando, entonces en un momento, la palabra “Freak” que discrimina no es contra nada de lo ausente sino contra un pibe al que se le enciende el costado de la rodilla como un reflector de avant premiere.

Con todo esto, es reconocible un entretenimiento genuino con el acierto de no abusar de los efectos especiales durante gran parte de la película y es en las escenas de acción en donde tienen su razón de ser. La serie Héroes puede ser más inclusiva en muchos aspectos y por cierto que es un pariente cercano (una prima-hermana) de esta saga pero entre una y otra hay claramente la diferencia de una superproducción. La música va a ser un éxito asegurado de ventas y está bien seleccionada acorde con el producto que se ve.

Lo tenía junado a este D.J. Caruso como director. Puede que sea el próximo Joel Schumacher (Dios libre y guarde) o puede encauzar su carrera pa otros pagos. Hizo antes la horrible, “Robando Vidas”; hizo otra que se fue en amagues, “Dos Por el Dinero” y “Paranoia” una buena película homenaje a Hitchock pero tomando Speed con vodka en vez de Jack Daniels. Seguramente estará ocupado con las dos próximas (“Somos el 5 y el 7”, si tiene mucho éxito vendrá: “falto yo, el 8” y la que cierre la tetralogía que será algo así como “no se olviden de mí, el 9” y si todo dio mucha guita habrá un precuela que será “fuimos 1, 2 y 3 fuimos” que en esta duran 2 minutos y un diálogo en off.

Para D.J. Caruso quedará en sus manos la apuesta por profundizar sobre esta superficie. Ah, tiene un chiste sobre bebidas energizantes que está en el momento justo.

SOY EL NUMERO CUATRO

I Am Numbre Four (2011) USA

Dirección: D.J. Caruso

Guión: Alfred Gough; Miles Millar; Marti Noxon

Fotografía: Guillermo Navarro

Edición: Vince Filippone, Jim Page

Música: Trevor Rabin

Reparto: Alex Pettyfer, Timothy Olyphant, Teresa Palmer,      Dianna Agron, Callan McAuliffe, Kevin Durand y elenco

EL DISCURSO DEL REY (The King's Speech)

Firth, Bonham Carter y Rush. Brillantes actuaciones

Bien.

Supongo que esta va a ser la película de la que todos hablarán a la hora de los merecimientos del máximo premio de la industria cinematográfica de Estados Unidos.

Leí por ahí que a los personajes de reyes que tuvieron nominaciones a mejor actor o actriz, les fue bien en el Oscar, algo que me parece discutible, ahora se me viene a la mente la nominación de Nigel Hawthorne por La Locura del Rey George que no ganó y sé que hay mas.

Sigo.

El Discurso del Rey es tan teatral en sus trabajos actorales que merece una puesta en escena. Realmente el desafío es notable en una historia que, situada a fines de la década del 20 del siglo pasado, se centra en el ascenso del rey Jorge VI en circunstancias poco convencionales para la moraquía: Muere su padre y quien se supone que debía asumir, abdica para ir a casarse con una mujer... digamos, común.

El que sigue en linaje es Bertie, el hermano menor que tiene un tremendo problema de dicción. Ahí la película se desvía hacia el tratamiento que el nuevo rey sigue para combatir el tartamuedeo y el miedo escénico que esto le produce ante una sociedad tan conservadora como la inglesa de esos tiempos para luego retomar el hilo histórico en el que deriva el resultado de la terapia.

Un discurso bien dicho puede torcer el rumbo de un país y en esa época no había internet, por lo tanto, para aquellos fanáticos de la historia como materia, el detenimiento en este detalle es fundamental, porque ayuda a entender el poder de la oratoria en los líderes de los años por seguir y me detengo por un segundo en el concepto del uso de la palabra que Markus Suzak hizo en su excelente novela “La ladrona de libros” y cito: “si no hubiera existido la palabra, no hubiera existido Hitler” (léanla que tiene mucho mas que esto) De modo que el contexto histórico en el que se posa la película resulta crucial y por eso los trabajos de Colin Firth como el Rey y de Geoffrey Rush como su terapeuta son de colección.

El poder de la oratoria.

Este es el tema de El discurso del Rey y vaya si da para debatir, no sólo sobre la superación de una circunstancia adversa, sino sobre todo aquello que escuchamos dentro de un contexto y que nos influye directamente en nuestro destino como miembros de una sociedad.

La dirección de Tom Hopper deja la sensación de que siempre tuvo claro lo que quería contar y que saliera lo que saliera iba a morir con la suya. Realmente hizo una buena película.

Curiosa contraposición esta del Oscar en la que las dos grandes candidatas (El Discurso del Rey y Red Social) hablan del uso del lenguaje, del poder de la expresión y de la influencia de los líderes en épocas (para la difusión per se) diametralmente opuestas. Bienvenidos al debate. Sin dudas una de las películas del año. 

EL DISCURSO DEL REY

(The King’s Speech)

Dirección: Tom Hopper

Guión: David Seidler

Edición: Tariq Anwar

Fotografía: Danny Cohen

Música: Alexandre Desplat

Reparto: Colin Firth, Helena Bonham Carter, Derek Jacobi, Robert Portal, Richard Dixon, Geoffrey Rush y elenco.

TEMPLE DE ACERO (True Grit) 2010

Temple de Acero. Remake, pero una buena de vaqueros al fin

Es lindo poder decir de vez en cuando “Me voy a ver una buena de vaqueros” Sobre todo porque desde que en 1992 Clint Eastwood tiró por la ventana todos los clisés del género con esa maravilla de Los Imperdonables, se pueden contar con los dedos de una mano los westerns que ofrecieron un poquito desde aquel entonces ahora y con los dedos de las dos la cantidad de westerns que se filmaron en este tiempo. Por eso, supongo, cuando los Cohen se levantaron una mañana con ganas de filmar una de cowboys, se apoyaron en una remake en vez de pensar una original.

No eligieron cualquiera, por cierto. Tenía que ser una de John Wayne y en lo posible una en la que el viejo John tuviera un papel que se asemejara en algo a alguna de las criaturas que los hermanos gestaron en su carrera. Y ahí está Temple de Acero. Inmaculada, intacta, vigente y lista para ser re-filmada a pesar de que, disfrazado, este guión se haya hecho mil veces en el género de acción.

Es tan poco lo que se puede modificar de la original, que hasta la forma de humor de los Cohen se puede confundir, por ejemplo cuando Jeff Bridges imita a John Wayne hasta en la forma de caminar o la forma de hablar de la nena de 14 años (un personaje altamente improbable en la historia de la conquista del Oeste norteamericano)

Con diálogos y tomas calcadas, Temple de Acero 2010, tiene la sana intención de un acercamiento al género a estas nuevas generaciones acostumbradas a otras tecnologías y otras formas visuales pero que sin embargo, si se dan una chance de comprometerse con la historia, la van a pasar fenomenal.

Analizar esta película como parte de la filmografía de los Cohen sería injusto para la filmografía en sí misma incluyendo las mas flojas que hicieron. Es lo mismo que intentar analizar un disco de covers de, no sé... de Aerosmith.

Honking On Bobo... Sí. Ese.

¡Ahí está! (qué lindo es iluminarse mientras uno escribe para tratar de explicar una sensación) Tome cualquier cualquier disco de covers de un artista que le gusta, en mi caso el de la banda de Steven Tyler. Tiene 2 temas originales, bien de ellos, y después una selección de blues clásicos. No siendo una obra original, sólo me ocupo de escuchar si la elección de los temas está mas o menos en sintonía con la banda y si está bien grabado. 

Con esta película de Joel y Ethan Cohen hago lo mismo. Tiene un par de cosas de su sello y el resto de su trabajo respeta la original a rajatabla, está muy bien filmada; con una fotografía sensacional de uno de los fotógrafos de la vieja troupé de Spielberg que además produce la película y tiene la música de Carter Burwell que entiende a los Cohen como si conviviera con ellos (recuerden las geniales partituras de Barton Fink y de Fargo por ejemplo)

En definitiva, la pasé bien, me reí mucho con lo que hace Jeff Bridges y me pareció (no siendo un fanático de las remakes) que fue una buena forma de volver a ver un clasicazo de Hollywood de cuando todavía sobraban las buenas ideas. 

Frase aparte para Hailee Steinfeld. 

Su actuación tiene la desfachatez que tenía el personaje de la original y hay que animarse a hacerlo con 13 añitos (cumplió 14 cuando se estrenó la película) contra los veintipico que tenía Kim Darby en la del '69. 

Puede que le valga la nominación, pero YO (y esta boca es mía) paso por alto los trabajos de los chicos en el cine -reconociendo la pasta que puede haber- porque la simple cuestión de la edad y por ende las herramientas con las que se cuentan, son escasas y para mí no se pueden analizar de la misma manera. Pero que está muy bien, es verdad.    

TEMPLE DE ACERO

True Grit (2010) USA

Dirección: Joel y Ethan Cohen

Guión: Joel y Ethan Cohen (sobre el libro de Charles Portis)

Fotografía: Roger Deakins (Notable)

Edición: Joel y Ethan Cohen

Música: Carter Burwell (Afiladísimo)

Reparto: Jeff Bridges, Hailee Steinfeld, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper y elenco

SAMMY: En Busca del Pasaje Secreto (Sammy's avonturen: De geheime doorgang)

Sammy. Una tortuga que podría ser mas profunda

Deja una sonrisa Sammy despues de todo. Me fui con una sensación agradable y con algunas observaciones.

En 1959, nace una tortuga que se llama Sammy, que luego de romper el cascarón sobrevive a esa corrida que las tortugas marinas hacen hacia la playa superando los peligros del sol y sobre todo el de las gaviotas que apovechan la situación para almorzar. En esa corrida conoce a Shelly, una tortuga hembra que eventualmente será el leit motive de su viaje por el mundo. Todo bastante inocente si no fuera porque la historia está contada por el ya abuelo Sammy en nuestros días y arranca su relato reflexionando sobre lo inexplicable de las actitudes de los humanos para luego comentar su viaje a traves de 50 años siendo testigo de los cambios y desastres ecológicos que nosotros, humanos, hemos provocado en ese tiempo.

La película dirigida por el Belga, Ben Stassen (el de Vamos a la Luna), tiene la clara intención de llegar a la conciencia del público pequeño mostrando como nuestras decisiones afectan la vida natural. Como muestra sobra un botón con la secuencia de un derrame de petróleo y de como eso afecta un ecosistema completo.Y es en esa escena,por ejemplo, que algo me hace ruido. Porque la resuelve un pulpo que dice que el se encarga de limpiar todo, restando importancia al hecho en sí.

De todos modos, es una sana intención la del director que contó con las voces (en la versión en inglés) de Tim curry, Stacy Keach, Melanie Griffith y otros y una música sensacional de Ramin Djawadi que va cambiando de instrumentación a medida que el viaje va camabiando de geografía.

Yo no sé si fue que la proyección se cortó 3 veces o que realmente me pareció algunos minutos extensa pero en todo caso puedo decir que (a lo mejor tratando de cuidarse de los golpes bajos) los temas importantes como el calentamiento global, la contaminación, la alteración de la naturaleza e incluso la caza furtiva son tratados con poca profundidad siendo una aventura que ocurre en el océano (chiste) y quedan así, en lo anecdótico, pero creo que está bueno como punto de partida que podamos tener esta alternativa para mostrar a nuestros hijos la importancia de cuidar el medio ambiente. Si Sammy sirve como disparador para que los chicos pregunten, pues es mas que Bienvenida.

LAS AVENTURAS DE SAMMY: En Busca del Pasaje Secreto

Sammy's avonturen: De geheime doorgang (2010) BELGICA

Dirección: Ben Stassen

Guión: Domonic Paris

Dirección de Arte: Jeremy Degruson

Música: Ramin Djawadi (Excelente)

Voces: (versión en ingles): Stacy Keach, Melanie Griffith, Isabelle Fuhrman, Yuri Lowenthal, Ed Begley Jr. y elenco.

EL RITO (The Rite)

Anthony Hopkins. El reparto no lo ayudó en nada

Buenas, tome algo

Voy a hablar de El Rito, una película de exorcismos así que ya sabe de que la va y salvo que le guste como escribo, puede tranquilamente pasar a la siguiente crítica o terminar ese crucigrama que lo tiene loco.

Igual si lo quiere saber: ¿Me dio miedo El Rito?

No.

Pero la relación que hace con los gatos es inquietante. Yo tengo uno y ahora lo miro con desconfianza.

¿Pero si tengo 15-20 años y no vi El Exorcista o ninguna del género me va a dar miedo?

Es probable.

Sigo.

Llegado a este punto: 2011, a casi 40 años del estreno de El Exorcista en nuestro país con parafernalia publicitaria y todo (¿Se acuerda de la ambulancia a la salida del cine Ocean? ¿o era el Opera?) hay que decir que todo se inventó, se desarrolló y terminó en 1973. Lo que vino después fue refritar la fórmula del diablo para hacerlo mas diablo, mas moderno o vaya a saber qué. (La Profecía es un tema aparte)

Es mas... hay un momento paródico/ridículo en El Rito.  Como si la intención fuere la de minimizar o ningunear la película de Friedkin:

El Padre Lucas está con su aprendiz siendo testigo de una posesión que, en serio no es gran cosa, y el aprendiz (que además es casi ateo) le pregunta: ¿Eso es todo? A lo que Lucas responde: ¿Que esperabas, cabezas que giran y sopa de arvejas? (Aludiendo la famosa escena del Exorcista)

Este diálogo que intenta hacer cómplice al espectador, en realidad le quita toda posibilidad de causar miedo a la escena y desvía la atención; porque además me dejó pensando: OK, si no hay cabezas que giran ni sopa de arvejas, ¿qué me vas a mostrar que no haya visto?

RESPUESTA: Un montón de maquillaje y un burro con ojos rojos que está un poquito mejor hecho que el de la tapa de Platero y Yo.   

La verdad es que tenía expectativas con esta película de Mikael Håfström (¡Cómo me costó encontrar el redondelito de la A del apellido!) porque las dos que ví de él “1408” y “Descarrilados” me pareció que tuvieron cosas interesantes. No ví nada de lo que hizo en Suecia antes.

El padre Mikael Kovak (interpretado horriblemente por el novato Colin O’Donoghue) recién se recibió de cura y manda un mail en el que renuncia a serlo. Otro Cura lo corre con que si no ejerce, la iglesia le quita la beca y tiene que pagar 100 mil dólares. (en serio, le juro que con ese diálogo abre el desarrollo de la película) Así que lo mandan al Vaticano a la “división” Exorcismos y termina conociendo al Padre Lucas Trevant (Anthony Hopkins) que le mostrará que el diablo sí existe. ¿Si Anthony Hopkins actúa bien? El siempre está bien, pero como el resto del reparto no ayuda ni un poquito, cuando Anthony está poseído, pareciera como si Hannibal Lecter hubiera aspirado una línea de cocaína del tamaño del cordón de la vereda. Ahora... La foto y la música sí que ayudan y mucho. Gracias a esos rubros, hay algunos sobresaltos genuinos y climas momentáneos bien generados. Es todo. Ah, aparece la Cuccinota en un papel chiquito.

¿Sigue con el crucigrama? La 6 vertical es: predecible.

EL RITO (The Rite) 2011-02-08

Dirección: Mikael Håfström

Guión: Michael Petroni (al que elegimos peor guionista del año en 2010)

Montaje: David Rosenbloom

Música: Alex Heffes

Fotografía: Ben Davis

Reparto: Anthony Hopkins, Colin O’Donaghue, Alice Braga, Ciarán Hinds, Rutger Hauer, Maria Grazia Cuccinota y elenco. 

CINE: Estrenos 03/02/2011 SUDOR FRIO

El género bizarro Argentino en el mainstream

SUDOR FRIO

Completando los estrenos de la semana y las sensaciones que nos provocan, he aquí la 5ta película Argentina que se estrena en el año, una producción de Pampa Films que encuentra varias inspiraciones para llegar al tenor de cine bizarro antes que ser de terror. Sudor Frío es precisamente una fiel representante de este género. Parte de un hecho que funciona como disparador y de ahí en mas es que el equipo de filmación se lleve bárbaro para que en noches de cerveza, música de spaghetti western y una tele con alguna película de Darío Argento puesta, salga un delirio que luego se hace guión de una película.

Momento ideal para establecer aunque sea un punto de partida para definir este género.

¿Qué es el cine bizarro?

El cine bizarro tiene antecedentes viejísimos ahora que está mas definido desde su “nacimiento” a fines de la década del 80 con películas que partían del género de ficción y/o terror.

O sea, con el resultado puesto, las películas de Ed Wood (ahora de culto pero durante muchos años considerado el peor director de la historia de Hollywood con su película “Plan 9 del Espacio Sideral” a la cabeza.) serían bizarras vale decir, llena de situaciones insólitas, ridículas (pero tomadas en serio) o seriamente ridículas, si se quiere. Son películas cuya gestación puede partir una mezcla del guión y gore de Darío Argento, Tom Savini o George Romero con el sexo de tacos altos y S&M de Betty Page. Parecen historias que se salen de la lógica, no narrativa; sino estética y situacional.

No voy a hacer un dossier aquí, para eso nos juntamos un día a charlar café mediante y lo discutimos, el punto es que si yo te cuento el argumento de una película de este género, tiene sentido. Si la ves, no.   

Dos torturadores de la época del proceso cuyas mentes se pegan un viaje a la luna, se hacen de unos cajones de diamita que la triple A le secuestró al ERP y que a su vez confiscó el Proceso y que luego, ya en manos de estos dos lunáticos, sirven para seguir experimetando métodos de tortura psicológica y física en el marco de una casa semi-habitada por ambos y por sus fantasmas del pasado.

Circunscripta al género, Sudor Frío, tiene todos los elementos necesarios para sacar a la luz el trabajo que desde hace años se viene haciendo en Argentina con este cine under total que eligió esta distribución como primer experimento en el mainstream. Con menos producción que las primeras de Rob Zombie pero con las mismas intenciones.

El peor error que podría cometerse es ir a verla pensando en el género de terror tal cual lo hizo conocido USA. Por eso la sensación que me quedó es que daba para mas.  

  

CINE: Estrenos 03/02/2011 LAZOS DE SANGRE

Buenos trabajos de Jennifer Lawrence y John Hawkes

LAZOS DE SANGRE

Empecemos por la sinceridad para que este blog tenga realmente un sentido honesto desde el principio. A la función de esta película llegué 11 minutos tarde. Así que lo que sigue es un comentario basado en los 89 minutos restantes. Puede que me equivoque feo y los invito a que me corrijan. 

Un asesinato en cicunstancias extrañas de un padre de familia cuya hija ahora quiere saber qué pasó en  medio de una sociedad cerrada y silenciosa que le pone mas misterio al asunto. Señoras y señores: he aquí un policial. 

Un asesinato en cicunstancias extrañas de un padre de familia cuya hija ahora quiere tratar de llevar adelante la casa con sus dos hermanos y una madre que está casi dopada. Señoras y señores: he aquí un drama. 

¿Vio cuando uno va al supermercado para comprar comida para la noche? 
La premisa es clara: Hay que comer. 
Pero uno no se decide entre una ensalada con atún o unos ñoquis. Claramente no dá lo mismo y uno se pregunta: ¿Se puede comer una ensalada antes de los ñoquis? Bueno... Sí... Pero; ¿Y si hay invitados? (¿Por ejemplo espectadores?)...

A lo mejor se confunden un poco. OK. Partamos de la base que UD tampoco se decidió.

Lazos de Sangre ocurre en el sur de los Estados Unidos. 

Pongamos que hablo de Missouri... 

Esta película está caracterizada, convenientemente, en el estereotipo de zona rural con gente ignorante, cerrada, con un inglés que solamente puede entender el cantante de Creedence y que el mismo Hollywood se ocupó remarcarnos casi siempre. 

En este contexto, una nena de 17 años intenta salvar a sus dos hermanos y a su mamá limada de la cabeza, de la posibilidad de que el estado se quede con la casa que el padre puso como garantía de la fianza que tuvo que pagar por andar en asuntos de drogas. 

Hasta ahí va todo bien.

Y mas allá de BUENA música, muy buena fotografía y definitivamente buenas actuaciones, especialmente de Jennifer Lawrence y John Hawkes, (merecidísimas nominaciones este año), hay una suerte de decisión que no se toma la directora y es definirse entre el policial o el drama. Podría ser ambos, todo bien, pero no es lo que propuso desde que llegué a la sala y entonces el guión tiene momentos de desvarío.

Gran parte del realismo que tiene Lazos de Sangre, se debe a que parte del elenco no está compuesto por actores profesionales lo cual tiene sus ventajas y desventajas. 

Si recortamos algunos diálogos; un par de primeros planos y los aislamos, cualquiera podría decir que los personajes secundarios pertenecen a una secuela de La Masacre de Texas o de alguna película de Rob Zombie y no estaría lejos de la realidad. 

A ver... 

Estoy tratando de llevar la comparación al extremo para establecer el punto de que el marco en el que se desarrolla todo es ciertamente perturbador, pero en definitiva el camino recorrido hasta el final deja como un gusto a que faltó por un lado y sobró por el otro. Dan ganas de que sea un policial y cuando definitivamente no lo es, ya es un poco tarde para resolver el caso. Me gustaron COSAS de la película. Ahora, por sí misma... 
Bueno... 
Eso... 
DEBRA GRANIK.. ¿Qué me querés contar? Decidite che... 
¿O todo tenía sentido en los primeros 11 minutos?

Que la película me juzgue.

LAZOS DE SANGRE

Winter’s Bone (2010) USA

Dirección: Debra Granik

Fotografía: Michael McDonough (brillante)

Edición: Affonso Gonçalves

Música: Dickon Hinchliffe

Reparto: Jennifer Lawrence, Isaiah Stone, Garreth Dillahunt, John Hawkes, Valerie Richards, Ashlee Thompson y elenco